Jeje... solo quería un título gracioso para anunciar que estaré fuera toda esta semana. Conseguí un trabajo al fin! (Alegría) aunque nada que ver con audio, y seguramente me quitará tiempo para el blog y para la música (Tristeza)...
Estaré en capacitación toda la semana, lejos de casa. Dan ganas de tener aunque sea una mandolina o una harmónica para llevarla, y no parar la actividad musical! ¿Alguno de ustedes tiene algun aparato/instrumento especial para hacer música cuando están de viaje?
Bueno, Frecuencia Fundamental seguirá de una forma u otra, tal vez a un ritmo mas bajo, pero acá estaremos.
Saludos!
.
lunes, 31 de agosto de 2009
miércoles, 26 de agosto de 2009
Isone Pro: Simulador Binaural de Jeroen Breebaart
Eso de "simulador binaural" puede sonar muy complicado, pero no lo es. Hace unos días anuncié en una entrada que estaba por ser lanzado un nuevo plug in que ayudaría a trabajar audio utilizando audífonos (auriculares) como medio de monitorización. Pues ya está disponible, se llama Isone Pro, y cuesta solo 20 euros!!!
Este nuevo plug in VST de Jeroen Breebaart será un regalo del cielo para muchos, ya que hay una gran cantidad de productores y músicos, que por una razón u otra se ven obligados a mezclar y masterizar usando audífonos para monitorizarse.
Si no estás familiarizado con los problemas que pueden surgir al utilizar audífonos para mezclar y masterizar, lee mi tutorial sobre Mezcla Con Audífonos. Isone Pro elimina esos problemas a través de simular los eventos acústicos que el oído percibe al reproducir audio utilizando unos monitores dentro de un cuarto. Se tiene control sobre el tamaño de los monitores, la distancia, el tamaño del cuarto, y más.
Jeroen Breebaart es un verdadero científico que trabaja en investigación para los laboratorios de Phillips. Parte de su trabajo es en audición binaural, así que te puedes imaginar que Isone Pro no es producto de una improvisación. Tengo muchas esperanzas en este plug in, y a solo 20 euros, puede ser la solución perfecta para aquellos que en algún momento nos vemos obligados a usar audífonos como medio de monitorización. Pienso probarlo pronto, está pendiente de mis impresiones.
jueves, 20 de agosto de 2009
Tube Driver de Nick Crow (plug in vst gratis)
Bueno, solo hay algo seguro en cuanto a simuladores software de amplis a tubos: No suenan igual que el hardware.
Claro que eso no significa que suenen mal, hay algunos excelentes. En especial como los plug ins simuladores de amplis a tubos de Nick Crow , útiles tanto en guitarras como en cualquier otra fuente que necesite algo de "suciedad" y "filo". A eso agrégale que son gratis, y realmente no queda nada qué criticarles.
La última adición a su ya alabada cosecha es el Tube Driver Versión 1.0. Es un simulador de tubos que al parecer su desarrollador recomienda incluso para procesar mezclas completas.
El Tube Driver tiene ciertas prestaciones muy interesantes, como la capacidad de definir la resolución interna a la que procesa la señal de audio. Por supuesto cuenta con Oversampling, lo cual es indispensable para efectos de distorsión y saturación. Activando "Max on Render" puedes elegir una resolución de audio mas baja a la hora de mezclar para ahorrar CPU, y luego a la hora de renderizar el plug in utilizará el mayor oversampling disponible.
Otro parámetro interesante es "Drift". Algunos dispositivos analógicos no son tan precisos, y el valor de los parámetros varía constantemente en cantidades mínimas, dándole variedad y riqueza a los sonidos. "Drift" hacé que los valores de los parámetros del Tube Driver varíen de esta forma, desde muy sutil hasta muy notorio.
Claro que eso no significa que suenen mal, hay algunos excelentes. En especial como los plug ins simuladores de amplis a tubos de Nick Crow , útiles tanto en guitarras como en cualquier otra fuente que necesite algo de "suciedad" y "filo". A eso agrégale que son gratis, y realmente no queda nada qué criticarles.
La última adición a su ya alabada cosecha es el Tube Driver Versión 1.0. Es un simulador de tubos que al parecer su desarrollador recomienda incluso para procesar mezclas completas.
El Tube Driver tiene ciertas prestaciones muy interesantes, como la capacidad de definir la resolución interna a la que procesa la señal de audio. Por supuesto cuenta con Oversampling, lo cual es indispensable para efectos de distorsión y saturación. Activando "Max on Render" puedes elegir una resolución de audio mas baja a la hora de mezclar para ahorrar CPU, y luego a la hora de renderizar el plug in utilizará el mayor oversampling disponible.
Otro parámetro interesante es "Drift". Algunos dispositivos analógicos no son tan precisos, y el valor de los parámetros varía constantemente en cantidades mínimas, dándole variedad y riqueza a los sonidos. "Drift" hacé que los valores de los parámetros del Tube Driver varíen de esta forma, desde muy sutil hasta muy notorio.
sábado, 15 de agosto de 2009
Glosario / Tutorial: Volumen
Todos sabemos que el volumen en exceso lastima nuestros oídos,
pero hay muchos mas aspectos sobre el volumen que debemos conocer.
Pareciera que el volumen (en cuanto a audio) es un término demasiado sencillo y de uso diario, pero realmente definirlo puede ser difícil y profundo, debido a que hay factores psicoacústicos y hasta psicológicos que hay que tomar en cuenta.
"Volumen" es la palabra mas usada para referirse a la intensidad percibida del sonido. Si un sonido es débil, decimos que tiene poco volumen, y si es fuerte, decimos que tiene mucho volumen.
No se debe confundir el volumen con el nivel de presión sonora (que se mide en dB SPL) para el sonido, o la amplitud de onda para el audio. Estos últimos son términos cuantificables, que se pueden medir con precisión, y aunque están directamente relacionados no son sinónimos.
No se debe confundir el volumen con el nivel de presión sonora (que se mide en dB SPL) para el sonido, o la amplitud de onda para el audio. Estos últimos son términos cuantificables, que se pueden medir con precisión, y aunque están directamente relacionados no son sinónimos.
El volumen es un término subjetivo. Tiene que ver con la percepción del que escucha, y no es intrínseco a una fuente sonora en sí. Por ejemplo si quisiéramos medir el volumen que genera un amplificador de guitarra, el volumen percibido dependería del recinto donde se encuentre el amplificador y la persona que escucha. Dependería del tamaño del lugar, el material de las superficies, y de otros objetos que compartan el espacio. También dependería de la distancia entre el amplificador y la persona que oye. Mas sorprendente aún, también dependería de la persona en sí, pues dos personas pueden tener diferente percepción del volumen de un mismo sonido, aún en condiciones iguales.
El volumen depende también de la frecuencia. Una onda sinusoidal a 8 Khz, no sera escuchada con igual volumen que una a 80 Hz. Nuestros oídos son mas sensibles en las frecuencias que corresponden a la voz humana (al hablar, no cantando), aproximadamente de 1,000 a 5,000 Hertz. Esto tiene mucho sentido desde un punto de vista evolutivo, pues el rango dinámico y el espectro de frecuencias de la voz humana son muy limitados, y necesitamos filtrarla de entre todos los sonidos para podernos comunicar con otros.
Las unidades de medición del volumen son el Fonio y el Sonio.
10 es el número mágico
El uso del número 10 en la definición del decibelio o decibel, es con el propósito de crear una unidad que sea aproximadamente La Diferencia Apenas Perceptible del sonido. El oído humano no es sensible a variaciones de intensidad sonora demasiado pequeñas. Debido a que el volumen es en escencia la forma en que se percibe la intensidad sonora, se necesita aproximadamente 1 dB de variación en la intensidad sonora para que haya alguna variación perceptible en el volumen.
De hecho la intensidad sonora debe aumentar en un factor de 10 para que el volumen sea percibido como el doble. Se podría decir que toma 10 violines producir un sonido que sea percibido con el doble de volumen que un violín.
Como en todo este asunto, La Diferencia Apenas Perceptible también depende de la frecuencia,y del nivel de intensidad sonora. A niveles y frecuencias bajas el oído es menos sensible, y se necesitan variaciones mas grandes en la intensidad sonora para que se perciba un cambio en el volumen.
Otros caprichos auditivos...
Nuestro oído tiene otras idiosincrasias en su percepción del volumen que podrían parecer "caprichos auditivos", pero realmente todas tienen una función. He aquí unas cuantas de ellas:
- Sonidos con igual presión sonora, pero diferente ancho de banda, son percibidos con diferente volumen. Cuanto mas ancho sea el rango de frecuencias que componen el sonido, con mas volumen es percibido. Por ejemplo si tenemos dos sonidos, ambos con frecuencia central a 1,000 Hz y presión sonora de 60 dB. El primero tiene un ancho de banda de 100 Hz, de 950 a 1050 Hz. El segundo un ancho de banda de 200 Hz, de 900 a 1,100 Hz.
- Los sonidos de corta duración no son percibidos con el mismo volumen que los de larga duración, aún cuando tengan la misma presión sonora. Por ejemplo a 1000 Hz, un sonido con una duración de 3 milisegundos debe ser 15 dB mas fuerte para escucharse con un volumen igual a un sonido que dura 500 milisegundos.
- Música a mas alto volumen es percibida como mas placentera que a menor volumen (obviamente hasta cierto límite), aunque nada mas que el volumen haya cambiado. Esto se debe en parte a que a volúmenes mas altos la respuesta de frecuencia de nuestro oído se hace mas plana y balanceada.
- En los últimos dos principios se "justifica" la sobre compresión de la música. Al comprimir y limitar fuertemente el material sonoro, se "aplanan" los transitorios iniciales de las notas logrando que cada sílaba o nota sea un sonido de intensidad mas pareja durante toda su duración. Esto hace que la música se perciba con mayor volumen, y engañando a nuestro oído, mas placentera. El problema es que el efecto solo dura mientras llegue la fatiga auditiva, y eso sucede en un par de minutos. Luego se pierde sensibilidad en las frecuencias altas, y la distorsión por sobre compresión se hace mas evidente, lo único que quiere el oyente a este punto es descansar sus oídos. Es imposible escuchar un disco completo cuando ha sido sobre comprimido.
Aplicación
Comprender la naturaleza del volumen no es una tarea ociosa para el que produzca y mezcle música. A la hora de mezclar y masterizar por ejemplo, ya hemos visto que la sobre compresión puede causar efectos negativos en el oyente.
Sabemos que de 1,000 a 5,000 Hz (aproximadamente) el oído es mas sensible. Si quieres que algún elemento de tu música sobre salga en la mezcla, generalmente ecualizando de tal forma que se haga un realce de 3 dB o más en este rango de frecuencias lo lograrás.
También sabemos que cuanto mas amplio es el ancho de banda, mas sensible es nuestro oído al cambio de intensidad. Es por eso también que ecualizaciones que usen anchos de banda mas amplios (Q mas grandes en los ecualizadores paramétricos) son mas perceptibles. Por supuesto todo depende de la aplicación. A veces no queremos que la ecualización sea perceptible, como cuando utilizamos un ecualizador para filtrar cierta característica molesta de un sonido (como la sibilancia de las voces). Una ecualización con un ancho de banda extremadamente amplio es perceptible, pero de una forma muy natural sin afectar demasiado el balance general del sonido.
Una de las técnicas de mezcla mas efectivas es el uso de filtros. Se filtran aquellas frecuencias que no aportan nada a la mezcla, o que en el contexto de la pieza a ser mezclada, no aportan elementos útiles a determinada pista. Por ejemplo una flauta, por debajo de mas o menos 200 Hz no habrá nada que haga una diferencia sustancial en el timbre de su sonido, pero sí entorpece otros sonidos importantes en ese rango de frecuencias. Sin embargo al filtrar una pista (sobre todo al filtrar los graves) estamos reduciendo su volumen percibido, así que hay que reconsiderar el nivel de esa pista respecto a la mezcla total. Un buen consejo es empezar filtrando los graves en todas las pistas que no sean bajo y bombo, aproximadamente a unos 85 Hz, y luego balancear niveles. Conforme la mezcla avanza se puede empezar a filtrar mas arriba, pero el empezar a balancear niveles con los graves abajo de 85 Hz filtrados, nos da una mejor idea de qué tanto necesitamos realzar o atenuar cada pista y el tipo de EQ que necesitará.
El volumen depende también de la frecuencia. Una onda sinusoidal a 8 Khz, no sera escuchada con igual volumen que una a 80 Hz. Nuestros oídos son mas sensibles en las frecuencias que corresponden a la voz humana (al hablar, no cantando), aproximadamente de 1,000 a 5,000 Hertz. Esto tiene mucho sentido desde un punto de vista evolutivo, pues el rango dinámico y el espectro de frecuencias de la voz humana son muy limitados, y necesitamos filtrarla de entre todos los sonidos para podernos comunicar con otros.
Las unidades de medición del volumen son el Fonio y el Sonio.
10 es el número mágico
El uso del número 10 en la definición del decibelio o decibel, es con el propósito de crear una unidad que sea aproximadamente La Diferencia Apenas Perceptible del sonido. El oído humano no es sensible a variaciones de intensidad sonora demasiado pequeñas. Debido a que el volumen es en escencia la forma en que se percibe la intensidad sonora, se necesita aproximadamente 1 dB de variación en la intensidad sonora para que haya alguna variación perceptible en el volumen.
De hecho la intensidad sonora debe aumentar en un factor de 10 para que el volumen sea percibido como el doble. Se podría decir que toma 10 violines producir un sonido que sea percibido con el doble de volumen que un violín.
Como en todo este asunto, La Diferencia Apenas Perceptible también depende de la frecuencia,y del nivel de intensidad sonora. A niveles y frecuencias bajas el oído es menos sensible, y se necesitan variaciones mas grandes en la intensidad sonora para que se perciba un cambio en el volumen.
Otros caprichos auditivos...
Nuestro oído tiene otras idiosincrasias en su percepción del volumen que podrían parecer "caprichos auditivos", pero realmente todas tienen una función. He aquí unas cuantas de ellas:
- Sonidos con igual presión sonora, pero diferente ancho de banda, son percibidos con diferente volumen. Cuanto mas ancho sea el rango de frecuencias que componen el sonido, con mas volumen es percibido. Por ejemplo si tenemos dos sonidos, ambos con frecuencia central a 1,000 Hz y presión sonora de 60 dB. El primero tiene un ancho de banda de 100 Hz, de 950 a 1050 Hz. El segundo un ancho de banda de 200 Hz, de 900 a 1,100 Hz.
- Los sonidos de corta duración no son percibidos con el mismo volumen que los de larga duración, aún cuando tengan la misma presión sonora. Por ejemplo a 1000 Hz, un sonido con una duración de 3 milisegundos debe ser 15 dB mas fuerte para escucharse con un volumen igual a un sonido que dura 500 milisegundos.
- Música a mas alto volumen es percibida como mas placentera que a menor volumen (obviamente hasta cierto límite), aunque nada mas que el volumen haya cambiado. Esto se debe en parte a que a volúmenes mas altos la respuesta de frecuencia de nuestro oído se hace mas plana y balanceada.
- En los últimos dos principios se "justifica" la sobre compresión de la música. Al comprimir y limitar fuertemente el material sonoro, se "aplanan" los transitorios iniciales de las notas logrando que cada sílaba o nota sea un sonido de intensidad mas pareja durante toda su duración. Esto hace que la música se perciba con mayor volumen, y engañando a nuestro oído, mas placentera. El problema es que el efecto solo dura mientras llegue la fatiga auditiva, y eso sucede en un par de minutos. Luego se pierde sensibilidad en las frecuencias altas, y la distorsión por sobre compresión se hace mas evidente, lo único que quiere el oyente a este punto es descansar sus oídos. Es imposible escuchar un disco completo cuando ha sido sobre comprimido.
Aplicación
Comprender la naturaleza del volumen no es una tarea ociosa para el que produzca y mezcle música. A la hora de mezclar y masterizar por ejemplo, ya hemos visto que la sobre compresión puede causar efectos negativos en el oyente.
Sabemos que de 1,000 a 5,000 Hz (aproximadamente) el oído es mas sensible. Si quieres que algún elemento de tu música sobre salga en la mezcla, generalmente ecualizando de tal forma que se haga un realce de 3 dB o más en este rango de frecuencias lo lograrás.
También sabemos que cuanto mas amplio es el ancho de banda, mas sensible es nuestro oído al cambio de intensidad. Es por eso también que ecualizaciones que usen anchos de banda mas amplios (Q mas grandes en los ecualizadores paramétricos) son mas perceptibles. Por supuesto todo depende de la aplicación. A veces no queremos que la ecualización sea perceptible, como cuando utilizamos un ecualizador para filtrar cierta característica molesta de un sonido (como la sibilancia de las voces). Una ecualización con un ancho de banda extremadamente amplio es perceptible, pero de una forma muy natural sin afectar demasiado el balance general del sonido.
Una de las técnicas de mezcla mas efectivas es el uso de filtros. Se filtran aquellas frecuencias que no aportan nada a la mezcla, o que en el contexto de la pieza a ser mezclada, no aportan elementos útiles a determinada pista. Por ejemplo una flauta, por debajo de mas o menos 200 Hz no habrá nada que haga una diferencia sustancial en el timbre de su sonido, pero sí entorpece otros sonidos importantes en ese rango de frecuencias. Sin embargo al filtrar una pista (sobre todo al filtrar los graves) estamos reduciendo su volumen percibido, así que hay que reconsiderar el nivel de esa pista respecto a la mezcla total. Un buen consejo es empezar filtrando los graves en todas las pistas que no sean bajo y bombo, aproximadamente a unos 85 Hz, y luego balancear niveles. Conforme la mezcla avanza se puede empezar a filtrar mas arriba, pero el empezar a balancear niveles con los graves abajo de 85 Hz filtrados, nos da una mejor idea de qué tanto necesitamos realzar o atenuar cada pista y el tipo de EQ que necesitará.
jueves, 13 de agosto de 2009
Descanse en Paz Les Paul
Les Paul fue un inventor y pionero cuyos avances logrados revolucioanron la música y la tecnología musical. Entre muchas otras cosas fue precursor de nuevas técnicas de tocar la guitarra, el desarrollo de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido, la grabación multi track, así como de el desarrollo de muchos efectos como el Tape Delay y Phasing. También desarrolló incontables técnicas de grabación que son usadas hasta el día de hoy.
Su genialidad no tenía límites. Una vez construyó su propia máquina cortadora de discos (de los que usaban como masters para los vinilos), ¡utilizando partes de automóviles!
El tipo tenía 94 años. Pero ni contando con 3 veces esa cantidad podría alcanzar todo lo que Les Paul hizo, un verdadero genio, que merece y será recordado. Puedes leer mas sobre su vida acá.
Su genialidad no tenía límites. Una vez construyó su propia máquina cortadora de discos (de los que usaban como masters para los vinilos), ¡utilizando partes de automóviles!
El tipo tenía 94 años. Pero ni contando con 3 veces esa cantidad podría alcanzar todo lo que Les Paul hizo, un verdadero genio, que merece y será recordado. Puedes leer mas sobre su vida acá.
Descanse en paz
Les Paul
1915 - 2009
Les Paul
1915 - 2009
miércoles, 12 de agosto de 2009
Editorial 08/09: El Estudio Portátil
Hoy en día puedes llevar un estudio de producción musical en los bolsillosde tus jeans! En la foto, PC Vaio Series P.
En los últimos años la tecnología se ha vuelto, en tamaño y precio, considerablemente mas pequeña. Vivimos la era dorada para los que queremos producir música, y esto es solo el comienzo. Es impresionante la calidad de sonido que se puede obtener con un estudio casero. Convertidores A/D/A, micrófonos, pre amplificadores y más... Todo está disponible a un precio muy accesible, y con una calidad de audio tan buena, que hace apenas unos 10 años habría parecido ciencia ficción.
La nueva frontera es la tecnología portátil, y está alcanzando niveles increíbles. En el mundo del audio no es la excepción. Basta de ver la cantidad de grabadores de audio portátiles que han aparecido en el mercado los últimos años. Algunos como el Yamaha Pocket Trak 2G, tan pequeño como un par de lápices juntos. Otros como el H4n, aunque no tan pequeños, son prácticamente un estudio completo en una sola carcasa.
Claro que no hay aparato mas provechoso en la producción móvil de audio que las laptops. Mac o PC, caras o baratas, y de muchos colores... Casi cualquier laptop en el mercado de hoy, es capaz de soportar un par de instrumentos virtuales, y unos tantos mas tracks de audio. Incluso he sido capaz de correr 6 tracks de audio y dos instrumentos virtuales en una Netbook. La tecnología es maravillosa...
En cuanto a interfaces de audio hay un sin fin de opciones si lo que uno desea es movilidad. Mi Fast Track Ultra es una de mis favoritas debido a la gran cantidad de conexiones y pre amlificadores que reúne en un paquete liviano y portátil. Si uno no desea tanto, la nueva Apogee One parece ser una de las mejores opciones para el estudio móvil. Hasta incluye su propio micrófono de condensador! Muchos de los grabadores de audio portátiles (como los de Zoom), también pueden funcionar como una interfaz de audio.
Claro que con la miniaturización vienen algunos sacrificios . . .
En cuanto a interfaces de audio, las mas pequeñas y portátiles tendrán menos conexiones, y seguramente menos pre amplificadores. Siempre habrá algún sacrificio, es tu deber encontrarlo, y evaluar si no es importante para lo que quieres hacer. Por ejemplo un aparato como el nuevo Zoom R16 tiene toneladas de funcionalidades, y ciertamente muchos pre amplificadores y conexiones. Sin embargo sus faders son ultra cortos, de manera que es un medio de mezcla, y controlador de DAWs bastante mediocre. ¿Eso improrta? Depende de la aplicación...
En cuanto a computadoras, generalmente por el precio de una portátil es posible conseguir una PC de escritorio con mejores prestaciones. Es mas fácil actualizar y darle mantenimiento a una PC de escritorio, y considerablemente mas barato. Además está el asunto de la ergonomía y la comodidad de uso.
También, el sobre calentamiento de las computadoras portátiles es la causa mas común de desperfectos. No es extraño ver una laptop colapsar antes de los 2 años de uso. Ahora mismo estoy reparando una Vaio que se sobre calentó de tal forma que el compuesto térmico del CPU se derritió, y se salió de su sitio dejando el procesador sin enfriamiento. ¿La causa? Usaban la computadora sobre la cama, bloqueando la toma de aire que está debajo de la máquina. Se podría argumentar que es culpa del usuario mas que del diseño propio del aparato, pero esas tomas de aire son muy fáciles de bloquear, y si se usa la laptop sobre una superficie con polvo, la toma de aire se convierte en una aspiradora que termina por llenar el disipador con toda clase de partículas, eventualmente provocando sobre calentamiento y el colapso del sistema.
A la hora de escoger entre una computadora portátil y una de escritorio, la decisión debe basarse en una simple pregutna ¿Por qué quiero una portátil para la producción musical? Algunas razones válidas para escoger una portátil serían:
- Viajas y necesitas/quieres seguir produciendo música en el camino
- Vas a hacer grabaciones, o te presentarás en vivo en diferentes locaciones
- Solo puedes tener una computadora, y necesitas una laptop para tus tareas no relacionadas con
el audio.
Escoger una laptop solo por el "cool factor" no es una buena idea, pues acabarás sacrificando muchos aspectos a cambio de nada.
Quizá el Santo Grial de la tecnología portátil se haga realidad el día que podamos insertar una computadora en nuestros cerebros. Podríamos pasar todo el santo día componiendo música sin molestar a nadie, y sin que nadie lo notara. Luego importaríamos nuestras grabaciones via Wi-Fi a nuestras computadoras, luego al internet, y al éxito mundial!!! Pero... ¿Cómo presumiríamos entonces nuestro equipo en los foros y blogs . . .? :-) Bueno, será un lío para cuando la nano tecnología invada el mundo del audio digital. Mientras tanto, hoy por hoy la tecnología de producción musical portátil es una realidad , ¡aprovéchala!
La nueva frontera es la tecnología portátil, y está alcanzando niveles increíbles. En el mundo del audio no es la excepción. Basta de ver la cantidad de grabadores de audio portátiles que han aparecido en el mercado los últimos años. Algunos como el Yamaha Pocket Trak 2G, tan pequeño como un par de lápices juntos. Otros como el H4n, aunque no tan pequeños, son prácticamente un estudio completo en una sola carcasa.
Claro que no hay aparato mas provechoso en la producción móvil de audio que las laptops. Mac o PC, caras o baratas, y de muchos colores... Casi cualquier laptop en el mercado de hoy, es capaz de soportar un par de instrumentos virtuales, y unos tantos mas tracks de audio. Incluso he sido capaz de correr 6 tracks de audio y dos instrumentos virtuales en una Netbook. La tecnología es maravillosa...
En cuanto a interfaces de audio hay un sin fin de opciones si lo que uno desea es movilidad. Mi Fast Track Ultra es una de mis favoritas debido a la gran cantidad de conexiones y pre amlificadores que reúne en un paquete liviano y portátil. Si uno no desea tanto, la nueva Apogee One parece ser una de las mejores opciones para el estudio móvil. Hasta incluye su propio micrófono de condensador! Muchos de los grabadores de audio portátiles (como los de Zoom), también pueden funcionar como una interfaz de audio.
Claro que con la miniaturización vienen algunos sacrificios . . .
En cuanto a interfaces de audio, las mas pequeñas y portátiles tendrán menos conexiones, y seguramente menos pre amplificadores. Siempre habrá algún sacrificio, es tu deber encontrarlo, y evaluar si no es importante para lo que quieres hacer. Por ejemplo un aparato como el nuevo Zoom R16 tiene toneladas de funcionalidades, y ciertamente muchos pre amplificadores y conexiones. Sin embargo sus faders son ultra cortos, de manera que es un medio de mezcla, y controlador de DAWs bastante mediocre. ¿Eso improrta? Depende de la aplicación...
En cuanto a computadoras, generalmente por el precio de una portátil es posible conseguir una PC de escritorio con mejores prestaciones. Es mas fácil actualizar y darle mantenimiento a una PC de escritorio, y considerablemente mas barato. Además está el asunto de la ergonomía y la comodidad de uso.
También, el sobre calentamiento de las computadoras portátiles es la causa mas común de desperfectos. No es extraño ver una laptop colapsar antes de los 2 años de uso. Ahora mismo estoy reparando una Vaio que se sobre calentó de tal forma que el compuesto térmico del CPU se derritió, y se salió de su sitio dejando el procesador sin enfriamiento. ¿La causa? Usaban la computadora sobre la cama, bloqueando la toma de aire que está debajo de la máquina. Se podría argumentar que es culpa del usuario mas que del diseño propio del aparato, pero esas tomas de aire son muy fáciles de bloquear, y si se usa la laptop sobre una superficie con polvo, la toma de aire se convierte en una aspiradora que termina por llenar el disipador con toda clase de partículas, eventualmente provocando sobre calentamiento y el colapso del sistema.
A la hora de escoger entre una computadora portátil y una de escritorio, la decisión debe basarse en una simple pregutna ¿Por qué quiero una portátil para la producción musical? Algunas razones válidas para escoger una portátil serían:
- Viajas y necesitas/quieres seguir produciendo música en el camino
- Vas a hacer grabaciones, o te presentarás en vivo en diferentes locaciones
- Solo puedes tener una computadora, y necesitas una laptop para tus tareas no relacionadas con
el audio.
Escoger una laptop solo por el "cool factor" no es una buena idea, pues acabarás sacrificando muchos aspectos a cambio de nada.
Quizá el Santo Grial de la tecnología portátil se haga realidad el día que podamos insertar una computadora en nuestros cerebros. Podríamos pasar todo el santo día componiendo música sin molestar a nadie, y sin que nadie lo notara. Luego importaríamos nuestras grabaciones via Wi-Fi a nuestras computadoras, luego al internet, y al éxito mundial!!! Pero... ¿Cómo presumiríamos entonces nuestro equipo en los foros y blogs . . .? :-) Bueno, será un lío para cuando la nano tecnología invada el mundo del audio digital. Mientras tanto, hoy por hoy la tecnología de producción musical portátil es una realidad , ¡aprovéchala!
martes, 11 de agosto de 2009
6 x 1 en Plug ins de IK Multimedia
Ik multimedia, poco después de haber lanzado T Rack 3, lanzó la serie T RAcks 3 Single. Consiste en los procesadores de T Racks, pero en forma individual y en formato plug in. Cada uno tiene un valor de $99.99, lo cual es bastante justo tomando en cuenta la calidad del sonido de éstos.
Sin embargo para algunos de nosotros pagar $100 por un solo plug in no es financieramente viable. Bueno, esta es tu oportunidad de armarte con la calidad de T Racks, por un excelente precio. Resulta que si compras un solo plug in de la serie T Racks Single, IK Multimedia te regala 4 mas, además de uno de sus plug ins de reverberancia!!! Eso es 6 x 1, $550 en plug ins por solo $99.99, y solo $16.66 por plug in... no se puede pedir mas.
Tienes hasta el 31 de agosto de 2009 para comprar y registrar el plug in que compres, y luego se te dará acceso al resto.
La situación económica está difícil, pero esta es una oportunidad que no puedes dejar pasar. Yo ya le exigí un poco mas a mi ya sobrecargada tarjeta de crédito :)
Sin embargo para algunos de nosotros pagar $100 por un solo plug in no es financieramente viable. Bueno, esta es tu oportunidad de armarte con la calidad de T Racks, por un excelente precio. Resulta que si compras un solo plug in de la serie T Racks Single, IK Multimedia te regala 4 mas, además de uno de sus plug ins de reverberancia!!! Eso es 6 x 1, $550 en plug ins por solo $99.99, y solo $16.66 por plug in... no se puede pedir mas.
Tienes hasta el 31 de agosto de 2009 para comprar y registrar el plug in que compres, y luego se te dará acceso al resto.
La situación económica está difícil, pero esta es una oportunidad que no puedes dejar pasar. Yo ya le exigí un poco mas a mi ya sobrecargada tarjeta de crédito :)
lunes, 3 de agosto de 2009
Jeroen Breebaart: Si se puede mezclar con audífonos
Jeroen Breebaart es un desarrollador de plug ins de ultra alta calidad, y muy baratos también. Resultan ser una ganga por la calidad de su sonido. El paquete de todos sus plug ins VST comerciales cuesta solo 35 EUR, y 10 EUR individualmente. Una verdadera ganga!!
También tiene algunos gratuitos, que son tan buenos (o mejores) como los comerciales en su calidad de audio y procesamiento. En la mayoría de casos la única diferencia es que los comerciales te dan mas parámetros configurables. Puedes descargar sus plug in VST gratuitos acá. Omniverb es mi reverb VST gratuita favorita, y Ferox es un versátil procesador para darle carácter a tus tracks.
Pues resulta que ahora Jeroen está desarrollando el Isone Pro, un plug in que te ayudará a mezclar y masterizar audio usando audífonos. Si no estás familiarizado con la razón por la cual mezclar con audífonos no es lo mejor, lee esta entrada. Isone Pro corregirá los problemas de trabajar audio con audífonos, a través de "virtualizar" una sala. Esto se logra generando artificialmente todos los eventos acústicos que ocurren al monitorizar audio, usando unos parlantes (bocinas), dentro de un cuarto.
La entrada sobre Mezcla con Audífonos es una de las mas populares de este blog. En ella recomiendo el plug in Freeware Crossfeed and EQ, el cual funciona muy bien. Sin embargo tengo muchas esperanzas en este nuevo plug in, pues Jeroen no es un adolescente medio hacker que se haya puesto a programar efectos VST. De hecho el trabaja para Phillips en investigación y desarrollo, y es un científico que ha hecho varios trabajos sobre procesamiento DSP y escucha binaural, es decir localización espacial del sonido (su briografía).
Es obvio que es alguien que sabe lo que hace, y a juzgar por la calidad de sus otros plug ins, tengo muchas espectativas en este nuevo proyecto. Está pendiente, estare informando.
También tiene algunos gratuitos, que son tan buenos (o mejores) como los comerciales en su calidad de audio y procesamiento. En la mayoría de casos la única diferencia es que los comerciales te dan mas parámetros configurables. Puedes descargar sus plug in VST gratuitos acá. Omniverb es mi reverb VST gratuita favorita, y Ferox es un versátil procesador para darle carácter a tus tracks.
Pues resulta que ahora Jeroen está desarrollando el Isone Pro, un plug in que te ayudará a mezclar y masterizar audio usando audífonos. Si no estás familiarizado con la razón por la cual mezclar con audífonos no es lo mejor, lee esta entrada. Isone Pro corregirá los problemas de trabajar audio con audífonos, a través de "virtualizar" una sala. Esto se logra generando artificialmente todos los eventos acústicos que ocurren al monitorizar audio, usando unos parlantes (bocinas), dentro de un cuarto.
La entrada sobre Mezcla con Audífonos es una de las mas populares de este blog. En ella recomiendo el plug in Freeware Crossfeed and EQ, el cual funciona muy bien. Sin embargo tengo muchas esperanzas en este nuevo plug in, pues Jeroen no es un adolescente medio hacker que se haya puesto a programar efectos VST. De hecho el trabaja para Phillips en investigación y desarrollo, y es un científico que ha hecho varios trabajos sobre procesamiento DSP y escucha binaural, es decir localización espacial del sonido (su briografía).
Es obvio que es alguien que sabe lo que hace, y a juzgar por la calidad de sus otros plug ins, tengo muchas espectativas en este nuevo proyecto. Está pendiente, estare informando.
sábado, 1 de agosto de 2009
Tutorial: Consejos para grabar instrumentos de cuerda
Bueno, aprovechando que quería compartir este excelente video con los lectores de Frecuencia Fundamental, pensé en compartir algunos consejitos al grabar instrumentos de cuerda. La mandolina y el violín son dos de mis instrumentos predilectos. Son tan orgánicos, y portátiles, que el instrumentista se hace "un solo ser" con el instrumento musical.
El violín y la mandolina tiene mucho carácter, un sonido casi "crudo", un tanto rudo a veces. Pero también pueden ser dulces y sutiles. Como puedes ver en este video, aunque la interpretación musical es casi impecable, en cuanto a calidad de audio hay mucho que desear, especialmente porque parece que se quizo "endulzar demasiado" el sonido de los intrumentos. La mandólina a veces suena como guitarra clásica, y el violín cobra un carácter de sintetizador por momentos.
Esto se debe principalmente a que la grabación se hizo utilizando algún tipo de pastillas, en vez de microfonear los instrumentos. También parece ser que se les pasó un poco la mano con la post producción, y a mi gusto, hay demasiado efecto. Seguramente habrá bastante EQ.
Tomando en cuenta algunas consideraciones sobre instrumentos de cuerda, y sobre la forma de grabarlos, serás capaz de capturar un sonido mas natural. Toma en cuenta, al leer mis consejos, que en lo personal me gusta escuchar en una grabación las idiosincracias de un instrumento. Me gusta obtener un sonido mas bien crudo, con algunas imperfecciones aquí y allá. Como siempre, todo depende de la situación, y de qué desee el productor y el artista.
Por supuesto que al hablar de guiatarras en este mini tutorial, estamos hablando de guitarrás acústicas, cuerdas de metal o nylon. Las guitarras eléctricas son otro tema completamente distinto.
De los instrumentos de cuerda...
- No son las cuerdas que producen el sonido :) Las cuerdas transmiten sus vibraciones al puente, y éste las transmite a la "tapa", o parte superior del cuerpo del instrumento. Esto hace que el aire en el interior resuene, y se produzca el sonido. Siempre es mejor una guitarra cuya tapa sea de madera sólida y no contrachapada.
- A veces se rompe la regla, y por supuesto lo que manda es el oído. Tengo una guitarra superbarata Yamaha F350 de madera contrachapada, incluso la tapa. Y suena mejor que muchas de madera sólida que he escuchado. Las series F de guitarras Yamaha, son una excelente inversión.
- El sonido NO sale por los agujeros del cuerpo de los instrumento de cuerda. Todo el cuerpo vibra (especialmente la tapa), proyectando el sonido en todas direcciones.
- Cuerdas viejas: MAL, cuerdas nuevas: PEOR. En serio, a veces unas cuerdas bastante usadas pueden tener un tono mas parejo, y pueden sostener mejor la afinación que cuerdas nuevas. No me mal entiendas, cuando vayas a grabar CAMBIA LAS CUERDAS. Pero no las cambies justo antes de grabar, las cuerdas tienen que pasar un proceso de estiramiento, después del cual ya no cederán, y mantendrán la afinación.
- Todos conocen el sonido de un dedo que se desliza por una cuerda de una guitarra acústica, y produce un pequeño chirrido. Todos los instrumentos de cuerda producen sonidos "secundarios" similares. No les temas, NO SON DEFECTO, son parte del carácter del instrumento. Por supuesto acá no hablamos de ruidos exagerados y obtrusivos generados por una mala técnica del interprete.
De la grabación de los instrumentos de cuerda...
- Definitivamente necesitas un micrófono exterior para capturar el caracter real de los instrumentos de cuerda. Las pastillas (guitar pick ups) electroacústicas, por útiles y de alta calidad que sean, son una "imitación" electromagnética del sonido real. Una sola pastilla no es capaz de captar las intricadas interacciones entre todas las partes de un instrumento de cuerda, porque todas las partes contribuyen al sonido final.
- Aún cuando el instrumento tenga un micrófono interior, en vez de una pastilla electromagnética, no captará un sonido natural y abierto. Sería oír una bocina desde dentro de su gabinete! Cuando oímos el instrumento, las ondas ya se han "desarrollado" en el aire. Además el sonido ya ha interactuado con el entorno, y esas reflexiones también se toman por el micrófono.
- En todo caso lo mejor es grabar el sistema de amplificación que contenga el instrumento (micrófono o pastilla electromagnética), junto con la señal producida por un micrófono externo. Esto te dará opciones a la hora de mezclar, pues puede que en una de las señales se encuentre cierto carácter que quieras enfatizar, entonces se trata de combinar las dos y sacar lo mejor de ambas para crear el sonido deseado.
- Al grabar las dos señales como se explico en el último párrafo, hay dos cosas que debes tomar en cuenta. Primero, se te puden presentar problemas de fase que adelgacen el sonido, o le den un carácter nasal y lejano. Esto se puede dar siempre que grabas una misma fuente, usando dos medios distintos (incluso dos micrófonos). Investiga sobre el tema y sobre cómo lidiar con él, pues va mucho mas allá del alcance de este tutorial. Pero te diré que hay varias formas de resolver problemas de fase, incluso con plug in. Segundo, debes usar EQ para usar les secciones del espectro sónico que desees de cada señal. Por ejemplo la señal de una pastilla electromagnética puede ser muy útil para realzar el sonido de la púa en las cuerdas. Pero para no tener problemas de fase, y para obtener un sonido limpio, vale la pena filtrar todas las demás frecuencias que no se deseen, o que sean redundantes con la otra señal.
- Necesitas un micrófono de condensador. Los micrófonos dinámicos no son lo suficientemente sencibles para capturar todos los detalles de un instrumento de cuerda. Como siempre, la aplicación y el oído mandan. Una guitarra acústica con cuerdas de metal ejecutando un rasgado rítmico, es un buen candidato para un micro dinámico, que podría darle un sonido un tanto mas agresivo. En cuanto a micrófonos de condensador vale la pena también considerar los de pequeño diafragma. Estos te darán un poco menos de respuesta en los bajos, que de cualquier forma en la mayoría de los casos se filtra al mezclar. También los ataques de las notas serán un poco mas ricos y definidos. Si tienes un espacio acústicamente descente, intenta probar otros patrones polares, especialmente el omnidireccional, que puede dar unos bajos de sonido mucho mas natural, y un carácter general mas abierto y "grande".
- No hay reglas escritas en piedra sobre donde colocar el micrófono para lograr un buen sonido. La única regla de oro de la microfonía que yo me atrevo a enunciar es: "Nunca se microfonea la parte mas estridente de la fuente". En el caso de un instrumento de cuerda, esa parte son los agujeros del cuerpo. Los redondos en el caso de las guitarras, y los agujeros en "F" para instrumentos de orquesta y mandolinas. Por los gujeros sale demasiado aire, y el sonido que obtendrás será bastante sucio en los medios-bajos y bajos, con falta de definición. Un buen lugar para empezar a probar es la parte donde se une el mástil al cuerpo, mas o menos a un pie de distancia. Si quieres menos bajos y mas sonido de las cuerdas, sube el micrófono hacia la cabeza. Si quieres mas bajos, acércalo mas al cuerpo, sin llegar a ponerlo justo enfrente de alguno de los agujeros. Algunas resonancias graves se pueden capturar microfoneando detrás del puente, ya sea por el lado de enfrente, o por detrás (si, nada te impide micrófonear la guitarra desde la espalda del interprete). Aunque en mi experiencia esto es útil solo cuando el instrumento de cuerda tiene un papel protagónico en la pieza, y se le quiere dar peso, y un balance parejo en todo su rango de frecuencia.
- Por supuesto no estás limitado a utilizar un solo micrófono. Por ejemplo para una guitarra, podrías usar uno de diafragma grande detrás del puente, otro de diafragma grande también, donde se une el mástil y el cuerpo. Y uno mas, esta vez de diafragma pequeño, cerca de la cabeza, apuntando hacia los trastes. Luego combinarías hasta lograr el sonido deseado, o si por ejemplo en alguna parte de la canción necesitas mas cuerpo, pues activas el de atrás del traste. Luego que necesitas mas sonido de rasgado, y de las cuerdas, activas el de pequeño diafragma. Eso sin entrar a técnicas de microfonía estéreo, donde obviamente necesitarías 2 micrófonos...
- A veces un poco de distorsión o saturación le dan a los violines esos armónicos extra que necesitan. Por supuesto tienes que ser muuuy sutil, no queremos hacer parecer que Van Halen está interpretando instruemntos de orquesta.
Espero que mis consejos te ayuden a obtener mejores grabaciones.
Por último, te insto a que te atrevas a probar el sonido de tus instrumentos de cuerda, dejándolos un poquito mas crudos. No te preocupes por los ruiditos, o por endulzarlos tanto. Verás como aunque al principio te suene un tanto raro, luego te dará una sensación de naturalidad y realismo.
El violín y la mandolina tiene mucho carácter, un sonido casi "crudo", un tanto rudo a veces. Pero también pueden ser dulces y sutiles. Como puedes ver en este video, aunque la interpretación musical es casi impecable, en cuanto a calidad de audio hay mucho que desear, especialmente porque parece que se quizo "endulzar demasiado" el sonido de los intrumentos. La mandólina a veces suena como guitarra clásica, y el violín cobra un carácter de sintetizador por momentos.
Esto se debe principalmente a que la grabación se hizo utilizando algún tipo de pastillas, en vez de microfonear los instrumentos. También parece ser que se les pasó un poco la mano con la post producción, y a mi gusto, hay demasiado efecto. Seguramente habrá bastante EQ.
Tomando en cuenta algunas consideraciones sobre instrumentos de cuerda, y sobre la forma de grabarlos, serás capaz de capturar un sonido mas natural. Toma en cuenta, al leer mis consejos, que en lo personal me gusta escuchar en una grabación las idiosincracias de un instrumento. Me gusta obtener un sonido mas bien crudo, con algunas imperfecciones aquí y allá. Como siempre, todo depende de la situación, y de qué desee el productor y el artista.
Por supuesto que al hablar de guiatarras en este mini tutorial, estamos hablando de guitarrás acústicas, cuerdas de metal o nylon. Las guitarras eléctricas son otro tema completamente distinto.
De los instrumentos de cuerda...
- No son las cuerdas que producen el sonido :) Las cuerdas transmiten sus vibraciones al puente, y éste las transmite a la "tapa", o parte superior del cuerpo del instrumento. Esto hace que el aire en el interior resuene, y se produzca el sonido. Siempre es mejor una guitarra cuya tapa sea de madera sólida y no contrachapada.
- A veces se rompe la regla, y por supuesto lo que manda es el oído. Tengo una guitarra superbarata Yamaha F350 de madera contrachapada, incluso la tapa. Y suena mejor que muchas de madera sólida que he escuchado. Las series F de guitarras Yamaha, son una excelente inversión.
- El sonido NO sale por los agujeros del cuerpo de los instrumento de cuerda. Todo el cuerpo vibra (especialmente la tapa), proyectando el sonido en todas direcciones.
- Cuerdas viejas: MAL, cuerdas nuevas: PEOR. En serio, a veces unas cuerdas bastante usadas pueden tener un tono mas parejo, y pueden sostener mejor la afinación que cuerdas nuevas. No me mal entiendas, cuando vayas a grabar CAMBIA LAS CUERDAS. Pero no las cambies justo antes de grabar, las cuerdas tienen que pasar un proceso de estiramiento, después del cual ya no cederán, y mantendrán la afinación.
- Todos conocen el sonido de un dedo que se desliza por una cuerda de una guitarra acústica, y produce un pequeño chirrido. Todos los instrumentos de cuerda producen sonidos "secundarios" similares. No les temas, NO SON DEFECTO, son parte del carácter del instrumento. Por supuesto acá no hablamos de ruidos exagerados y obtrusivos generados por una mala técnica del interprete.
De la grabación de los instrumentos de cuerda...
- Definitivamente necesitas un micrófono exterior para capturar el caracter real de los instrumentos de cuerda. Las pastillas (guitar pick ups) electroacústicas, por útiles y de alta calidad que sean, son una "imitación" electromagnética del sonido real. Una sola pastilla no es capaz de captar las intricadas interacciones entre todas las partes de un instrumento de cuerda, porque todas las partes contribuyen al sonido final.
- Aún cuando el instrumento tenga un micrófono interior, en vez de una pastilla electromagnética, no captará un sonido natural y abierto. Sería oír una bocina desde dentro de su gabinete! Cuando oímos el instrumento, las ondas ya se han "desarrollado" en el aire. Además el sonido ya ha interactuado con el entorno, y esas reflexiones también se toman por el micrófono.
- En todo caso lo mejor es grabar el sistema de amplificación que contenga el instrumento (micrófono o pastilla electromagnética), junto con la señal producida por un micrófono externo. Esto te dará opciones a la hora de mezclar, pues puede que en una de las señales se encuentre cierto carácter que quieras enfatizar, entonces se trata de combinar las dos y sacar lo mejor de ambas para crear el sonido deseado.
- Al grabar las dos señales como se explico en el último párrafo, hay dos cosas que debes tomar en cuenta. Primero, se te puden presentar problemas de fase que adelgacen el sonido, o le den un carácter nasal y lejano. Esto se puede dar siempre que grabas una misma fuente, usando dos medios distintos (incluso dos micrófonos). Investiga sobre el tema y sobre cómo lidiar con él, pues va mucho mas allá del alcance de este tutorial. Pero te diré que hay varias formas de resolver problemas de fase, incluso con plug in. Segundo, debes usar EQ para usar les secciones del espectro sónico que desees de cada señal. Por ejemplo la señal de una pastilla electromagnética puede ser muy útil para realzar el sonido de la púa en las cuerdas. Pero para no tener problemas de fase, y para obtener un sonido limpio, vale la pena filtrar todas las demás frecuencias que no se deseen, o que sean redundantes con la otra señal.
- Necesitas un micrófono de condensador. Los micrófonos dinámicos no son lo suficientemente sencibles para capturar todos los detalles de un instrumento de cuerda. Como siempre, la aplicación y el oído mandan. Una guitarra acústica con cuerdas de metal ejecutando un rasgado rítmico, es un buen candidato para un micro dinámico, que podría darle un sonido un tanto mas agresivo. En cuanto a micrófonos de condensador vale la pena también considerar los de pequeño diafragma. Estos te darán un poco menos de respuesta en los bajos, que de cualquier forma en la mayoría de los casos se filtra al mezclar. También los ataques de las notas serán un poco mas ricos y definidos. Si tienes un espacio acústicamente descente, intenta probar otros patrones polares, especialmente el omnidireccional, que puede dar unos bajos de sonido mucho mas natural, y un carácter general mas abierto y "grande".
- No hay reglas escritas en piedra sobre donde colocar el micrófono para lograr un buen sonido. La única regla de oro de la microfonía que yo me atrevo a enunciar es: "Nunca se microfonea la parte mas estridente de la fuente". En el caso de un instrumento de cuerda, esa parte son los agujeros del cuerpo. Los redondos en el caso de las guitarras, y los agujeros en "F" para instrumentos de orquesta y mandolinas. Por los gujeros sale demasiado aire, y el sonido que obtendrás será bastante sucio en los medios-bajos y bajos, con falta de definición. Un buen lugar para empezar a probar es la parte donde se une el mástil al cuerpo, mas o menos a un pie de distancia. Si quieres menos bajos y mas sonido de las cuerdas, sube el micrófono hacia la cabeza. Si quieres mas bajos, acércalo mas al cuerpo, sin llegar a ponerlo justo enfrente de alguno de los agujeros. Algunas resonancias graves se pueden capturar microfoneando detrás del puente, ya sea por el lado de enfrente, o por detrás (si, nada te impide micrófonear la guitarra desde la espalda del interprete). Aunque en mi experiencia esto es útil solo cuando el instrumento de cuerda tiene un papel protagónico en la pieza, y se le quiere dar peso, y un balance parejo en todo su rango de frecuencia.
- Por supuesto no estás limitado a utilizar un solo micrófono. Por ejemplo para una guitarra, podrías usar uno de diafragma grande detrás del puente, otro de diafragma grande también, donde se une el mástil y el cuerpo. Y uno mas, esta vez de diafragma pequeño, cerca de la cabeza, apuntando hacia los trastes. Luego combinarías hasta lograr el sonido deseado, o si por ejemplo en alguna parte de la canción necesitas mas cuerpo, pues activas el de atrás del traste. Luego que necesitas mas sonido de rasgado, y de las cuerdas, activas el de pequeño diafragma. Eso sin entrar a técnicas de microfonía estéreo, donde obviamente necesitarías 2 micrófonos...
- A veces un poco de distorsión o saturación le dan a los violines esos armónicos extra que necesitan. Por supuesto tienes que ser muuuy sutil, no queremos hacer parecer que Van Halen está interpretando instruemntos de orquesta.
Espero que mis consejos te ayuden a obtener mejores grabaciones.
Por último, te insto a que te atrevas a probar el sonido de tus instrumentos de cuerda, dejándolos un poquito mas crudos. No te preocupes por los ruiditos, o por endulzarlos tanto. Verás como aunque al principio te suene un tanto raro, luego te dará una sensación de naturalidad y realismo.
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