jueves, 22 de enero de 2015
Pro Tools First
Si ya se... todo el 2014 sin publicar y ahora me aparezco como nada :-) soy el hijo pródigo de la producción musical... ya regresaré al redil. Mientras tanto esta noticia si que capturó mi atención, sobre todo para dejar plasmadas mis ideas en esta entrada para aquellos que empiecen en el estudio casero y decidan adoptar esta versión de Pro Tools como su DAW principal.
Pues está de lujo... parece que la limitación mas grande es que "solo" tienes 16 tracks de audio y "solo" puedes grabar 4 tracks a la vez... esto debería ser suficiente para el estudio casero. Tiene editor midi, canales de instrumentos virtuales y hasta incluye un sintetizador, una reverberancia, delay y varios EQ y compresores... ¿¿¿¿Gratis???? Si... gratis....
Los de Avid (anteriormente Digidesign) de cuando en cuando han sacado una versión gratis o recortada que es muy accesible. Esto parece una ganga y todo pero mi lado cínico me obliga a hacerte una advertencia si vas a adoptar esta versión como tu DAW principal
Estas versiones gratuitas normalmente tienen muy poco tiempo de vida y desaparecen en un par de años. Obviamente el propósito de estas versiones es captar mas clientes para las versiones completas, lo cual está perfecto, pero simplemente hay que estar sabido. Una vez que te acostumbraste a tu DAW, tienes plug ins, flujo de trabajo establecido y muchos proyectos creados, es muy difícil cambiar de DAW y cuando quieras actualizarte a la versión completa no vas a gastar menos de $500.
Pro Tools First será un DAW de lo mejor por el precio que traerá (gratis), seguro me lo bajaré y jugaré un poco con él. Si acabas de entrar al mundo del audio déjame decirte que no te es indispensable tener Pro Tools, y que hay muchos otros secuenciadores en el mercado. Así como te puedes bajar este de gratis, así te puedes bajar demos de muchos otros... pruébalos todos, y si te decides por Pro Tools First, solo ten en mente que el almuerzo gratis no dura para siempre :-)
martes, 24 de enero de 2012
¿Frecuencia Fundamental 2.0?
Que tal amigos!
Pues haber tenido que dejar este blog ha sido muy doloroso para mí porque precisamente lo dejé cuando empezaba a tener resultados. Bueno, la vida da vueltas y creo que ahora podría retomar el proyecto con nuevas ideas como tutoriales en vídeos, pruebas de software e incluso un libro interactivo con el recién lanzado iBooks 2.0 .
Pues por acá, dando un llamado al cyber espacio a ver si aún hay allá afuera alguien que esté pendiente de este blog y que me pueda dar algunas ideas y sobre todo ánimos para re ignaurar el blog :-)
Bueno, ya me cuentan...
viernes, 16 de julio de 2010
Jasuto: Sinte gratuito modular multi plataforma
Jasuto es un sintetizador virtual como nunca antes lo has visto. Primero que nada Jasuto tiene una forma de síntesis analógica modular ultra flexible, y porque no decirlo, tan alocada como lo desees.
Sería muy difícil explicarlo con palabras, así que mejor mira el video de demostración. Básicamente cada componente de síntesis (filtro, envolvente, osciladores, secuenciador) es lo que Jasuto llama un Nodo, y puedes conectar los diferentes Nodos en la forma que te parezca.
Las conexiones entre nodos se hacen de forma automática y dinámica. Un nodo se conecta "por efecto de proximidad a otro", y la distancia a la que se encuentre uno de otro afecta la señal que pasa entre ellos. Muy creativo...
El sinte suena muy bien, y en aparatos como iPhone o el iPad ha de ser un sueño utilizarlo. Interesantemente este sintetizador modular virtual está también disponible para MacOSX y para PC. La versión actual es la 1.2.2 y por ahora, es gratis. Aunque tiene algunas limitaciones para trabajo en estudio y de uso dentro de un secuenciador, como instrumento es tan poderoso como la versión pago, y es en este rol donde creo que brilla más Jasuto.
Otra cosa interesante sobre Jasuto es que su versión "PRO", disponible en la AppStore de Apple, es muy asequible como todas las aplicaciones para iPhone. Cuesta solo $7.99.
Hasta donde sé, no hay muchos sintetizadores virtuales de esta calidad que estén disponibles para iPhone y para MacOSX y Windows a la vez, pero esto puede marcar un nuevo hito en los precios de instrumentos virtuales. Casi ningún sintetizador virtual decente puede comprarse por menos de $100, Jasuto cuesta la décima parte.
Ojalá esto le de ideas a los programadores que haciendo su creación multi plataforma pueden llegar a mas usuarios a través de precios mas asequibles. ¡Todos salimos ganando!
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Sería muy difícil explicarlo con palabras, así que mejor mira el video de demostración. Básicamente cada componente de síntesis (filtro, envolvente, osciladores, secuenciador) es lo que Jasuto llama un Nodo, y puedes conectar los diferentes Nodos en la forma que te parezca.
Las conexiones entre nodos se hacen de forma automática y dinámica. Un nodo se conecta "por efecto de proximidad a otro", y la distancia a la que se encuentre uno de otro afecta la señal que pasa entre ellos. Muy creativo...
El sinte suena muy bien, y en aparatos como iPhone o el iPad ha de ser un sueño utilizarlo. Interesantemente este sintetizador modular virtual está también disponible para MacOSX y para PC. La versión actual es la 1.2.2 y por ahora, es gratis. Aunque tiene algunas limitaciones para trabajo en estudio y de uso dentro de un secuenciador, como instrumento es tan poderoso como la versión pago, y es en este rol donde creo que brilla más Jasuto.
Otra cosa interesante sobre Jasuto es que su versión "PRO", disponible en la AppStore de Apple, es muy asequible como todas las aplicaciones para iPhone. Cuesta solo $7.99.
Hasta donde sé, no hay muchos sintetizadores virtuales de esta calidad que estén disponibles para iPhone y para MacOSX y Windows a la vez, pero esto puede marcar un nuevo hito en los precios de instrumentos virtuales. Casi ningún sintetizador virtual decente puede comprarse por menos de $100, Jasuto cuesta la décima parte.
Ojalá esto le de ideas a los programadores que haciendo su creación multi plataforma pueden llegar a mas usuarios a través de precios mas asequibles. ¡Todos salimos ganando!
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jueves, 28 de enero de 2010
Pregunta y Respuesta: Conversiones de Resolución
El amigazo de Frecuencia Fundamental, JoséGDF nos pregunta si hay algún tipo de problema a la hora de hacer conversiones de frecuencias de muestreo. Bien, he aquí mi opinión acerca del tema:
En toda conversión de frecuencia de muestreo y resolución de bits se introducen errores matemáticos, lo que puede resultar en "artefactos" audibles.
Es por eso que al pasar de 24 bit a 16 muchas veces se recomienda utilizar "dithering", que es introducir ruido a un muy bajo nivel, para suavizar sonidos de poca potencia como las colas de reverberancia, etc. Nunca he querido escribir sobre dithering, porque realmente no lo he acabado de entender :)
Se supone también que hay menos errores, si uno trabaja en múltiplos enteros de la frecuencia final. Por ejemplo nuestra frecuencia final es casi siempre 44.1 Khz. Entonces en vez de trabajar a 48 KHz, sería mejor grabar a 88.2 Khz, que es un múltiplo entero de 44.1. Se dice que así los errores por conversión son menores.
Habiendo dicho todo esto...
Yo solía grabar a 48 Khz. Mi motivo era tener "un poco mas de calidad" que a 44.1, pero no exigir mi compu hasa los 88.2. Luego empecé a cuestionarme y empecé a investigar. Me encontré con la sorpresa de que muchíiiiisimos profesionales, algunos de los que mas admiro su trabajo, graban a 44.1. Ellos dicen de que no hay ventaja sustancial en ir mas allá, sin embargo lo que si sucede es que las computadoras son mucho mas exigidas. Imagínate, trabajar a 88.1 significa archivos 2 veces mas grandes, y 2 veces mas procesamiento para el CPU.
Cuando averigué eso, me puse a hacer experimentos a ver si con MI equipo, y MIS oídos, podría notar alguna ventaja de trabajar a las diferentes resoluciones. Y no pude notar ninguna ventaja sustancial en ir mas allá de los 44.1 Khz.
Hay ventajas en producir y mezclar a frecuencias de muestreo mas altas, como por ejemplo los "aliasing" generados están a frecuencias supersónicas que el oído no alcanza a distinguir, PERO practicamente todos los plug ins decentes que se benefician de una frecuencia mas alta hace un "oversampling" a su entrada y procesan hasta 4 o 6 veces la frecuencia de muestro original, y luego hacen un "downsampling" y muestra la salida al DAW a la frecuencia a la que el programa esté trabajando.
Así que aunque tu proyecto sea a 44.1 Khz, muchos plug ins trabajaran internamente a 176.4 Khz o mas, para evitar los problemas audibles que pueda resulta del proceso que realizen (EQ, Compresión, etc.)
En cuanto a la grabación en sí se refiere, no hay de qué preocuparse, pues 44.1 Khz es mas que suficiente para captar todas las frecuencias audibles por el ser humano. La calidad de la grabación depende en mayor medida de otros factores tales como el micrófono, la calidad del pre amp, y la calidad del convertidor ADC.
Casi cualquier interfaz de hoy en día es capaz de producir excelentes resultados si uno hace su parte con el posicionamiento del micrófono, y una adecuada estructura de ganancia.
Dan Lavry, el diseñador de los renombrados convertidores Lavry, piensa que no tiene ningún sentido el audio digital the ultra alta resolución. Sus convertidores no llegar a 192 Khz, por como dice su sitio, el está "en contra de esas resoluciones". Puedes verlo en la descripción de este producto.
Otro asunto es la forma en que haces la conversión. Por ejemplo uno podría estar trabajando su proyecto a 96 Khz en el secuenciador, y al exportar la mezcla hacer la conversión allí mismo y exportar un archivo a 44.1 Khz. Uno también podría exportar el archivo a 96 Khz, y luego usar otro programa para hacer la conversión.
Cuando estuve investigando al respecto me encontré que Craig Anderton usa Adobe Audition para hacer las conversiones. Se supone que ese programa tiene uno de los algoritmos de conversión mas "limpios" que hay. Bueno, la mayoría de nosotros tiene ese programa, así es que vale la pena usarlo, y es lo que yo uso ahora.
En Conclusión:
- Sí se introducen errores a la hora de hacer conversiones, el asunto es si esos errores son audibles como para que valga la pena usar resoluciones mas altas.
- Vale la pena experimentar diferents métodos de conversión con diferentes programas que uno tenga, y ver si hay alguna ventaja práctica de un método o programa sobre los demás.
- Otra situación que vale la pena preguntarse es si hay una ventaja práctica de usar resoluciones mas altas. Si no puedo distinguir ninguna ventaja en cuanto a la calidad de mis grabaciones, quizá sea mejor utilizar 44.1 Khz. De esa cuenta evito hacer cualquier conversión mas adelante, y al no exigir tanto la computadora podré usar mas plug ins y mas tracks.
Espero poder haber aclarado el asunto aunque sea un poco. Lo de los 24 bits, eso si que es otro cuento por completo, y las ventajas de usar 24 bits sobre 16 son enormes, pero eso será para otra entrada... Saludos!
En toda conversión de frecuencia de muestreo y resolución de bits se introducen errores matemáticos, lo que puede resultar en "artefactos" audibles.
Es por eso que al pasar de 24 bit a 16 muchas veces se recomienda utilizar "dithering", que es introducir ruido a un muy bajo nivel, para suavizar sonidos de poca potencia como las colas de reverberancia, etc. Nunca he querido escribir sobre dithering, porque realmente no lo he acabado de entender :)
Se supone también que hay menos errores, si uno trabaja en múltiplos enteros de la frecuencia final. Por ejemplo nuestra frecuencia final es casi siempre 44.1 Khz. Entonces en vez de trabajar a 48 KHz, sería mejor grabar a 88.2 Khz, que es un múltiplo entero de 44.1. Se dice que así los errores por conversión son menores.
Habiendo dicho todo esto...
Yo solía grabar a 48 Khz. Mi motivo era tener "un poco mas de calidad" que a 44.1, pero no exigir mi compu hasa los 88.2. Luego empecé a cuestionarme y empecé a investigar. Me encontré con la sorpresa de que muchíiiiisimos profesionales, algunos de los que mas admiro su trabajo, graban a 44.1. Ellos dicen de que no hay ventaja sustancial en ir mas allá, sin embargo lo que si sucede es que las computadoras son mucho mas exigidas. Imagínate, trabajar a 88.1 significa archivos 2 veces mas grandes, y 2 veces mas procesamiento para el CPU.
Cuando averigué eso, me puse a hacer experimentos a ver si con MI equipo, y MIS oídos, podría notar alguna ventaja de trabajar a las diferentes resoluciones. Y no pude notar ninguna ventaja sustancial en ir mas allá de los 44.1 Khz.
Hay ventajas en producir y mezclar a frecuencias de muestreo mas altas, como por ejemplo los "aliasing" generados están a frecuencias supersónicas que el oído no alcanza a distinguir, PERO practicamente todos los plug ins decentes que se benefician de una frecuencia mas alta hace un "oversampling" a su entrada y procesan hasta 4 o 6 veces la frecuencia de muestro original, y luego hacen un "downsampling" y muestra la salida al DAW a la frecuencia a la que el programa esté trabajando.
Así que aunque tu proyecto sea a 44.1 Khz, muchos plug ins trabajaran internamente a 176.4 Khz o mas, para evitar los problemas audibles que pueda resulta del proceso que realizen (EQ, Compresión, etc.)
En cuanto a la grabación en sí se refiere, no hay de qué preocuparse, pues 44.1 Khz es mas que suficiente para captar todas las frecuencias audibles por el ser humano. La calidad de la grabación depende en mayor medida de otros factores tales como el micrófono, la calidad del pre amp, y la calidad del convertidor ADC.
Casi cualquier interfaz de hoy en día es capaz de producir excelentes resultados si uno hace su parte con el posicionamiento del micrófono, y una adecuada estructura de ganancia.
Dan Lavry, el diseñador de los renombrados convertidores Lavry, piensa que no tiene ningún sentido el audio digital the ultra alta resolución. Sus convertidores no llegar a 192 Khz, por como dice su sitio, el está "en contra de esas resoluciones". Puedes verlo en la descripción de este producto.
Otro asunto es la forma en que haces la conversión. Por ejemplo uno podría estar trabajando su proyecto a 96 Khz en el secuenciador, y al exportar la mezcla hacer la conversión allí mismo y exportar un archivo a 44.1 Khz. Uno también podría exportar el archivo a 96 Khz, y luego usar otro programa para hacer la conversión.
Cuando estuve investigando al respecto me encontré que Craig Anderton usa Adobe Audition para hacer las conversiones. Se supone que ese programa tiene uno de los algoritmos de conversión mas "limpios" que hay. Bueno, la mayoría de nosotros tiene ese programa, así es que vale la pena usarlo, y es lo que yo uso ahora.
En Conclusión:
- Sí se introducen errores a la hora de hacer conversiones, el asunto es si esos errores son audibles como para que valga la pena usar resoluciones mas altas.
- Vale la pena experimentar diferents métodos de conversión con diferentes programas que uno tenga, y ver si hay alguna ventaja práctica de un método o programa sobre los demás.
- Otra situación que vale la pena preguntarse es si hay una ventaja práctica de usar resoluciones mas altas. Si no puedo distinguir ninguna ventaja en cuanto a la calidad de mis grabaciones, quizá sea mejor utilizar 44.1 Khz. De esa cuenta evito hacer cualquier conversión mas adelante, y al no exigir tanto la computadora podré usar mas plug ins y mas tracks.
Espero poder haber aclarado el asunto aunque sea un poco. Lo de los 24 bits, eso si que es otro cuento por completo, y las ventajas de usar 24 bits sobre 16 son enormes, pero eso será para otra entrada... Saludos!
martes, 20 de octubre de 2009
SPL Attacker: Transient Designer Gratuito
Después de muchos días de ausencia regreso con una excelente noticia!!!
Los genios alemanes del procesamiento de audio, la compañía SPL, celebra un año de sus plug ins con tecnología Analog Code, y lo hacen regalando uno de sus plug ins: el Attacker.
El Attacker es un plug in basado en el magnífico Transient Designer, el cual utiliza una tecnología de procesamiento de transitorios desarrollada por la compañía, la cual llaman Envolvente Diferencial. El Transient Designer te permite modificar completamente la dinámica de cada transitorio y la porción de "sostenido" a continuación, pero a diferencia de un compresor, lo hace independientemente del nivel de señal.
Esto permite crear sonidos con ataques mas agresivos o mas suaves, y también realzar y "alargar" el sostenido de cada nota dándole densidad a la interpretación. Como el procesamiento no depende del nivel de la señal (al contrario de un compresor), el sonido es parejo y el procesamiento ocurre siempre impartiéndole un nuevo carácter a la grabación.
Los genios alemanes del procesamiento de audio, la compañía SPL, celebra un año de sus plug ins con tecnología Analog Code, y lo hacen regalando uno de sus plug ins: el Attacker.
El Attacker es un plug in basado en el magnífico Transient Designer, el cual utiliza una tecnología de procesamiento de transitorios desarrollada por la compañía, la cual llaman Envolvente Diferencial. El Transient Designer te permite modificar completamente la dinámica de cada transitorio y la porción de "sostenido" a continuación, pero a diferencia de un compresor, lo hace independientemente del nivel de señal.
Esto permite crear sonidos con ataques mas agresivos o mas suaves, y también realzar y "alargar" el sostenido de cada nota dándole densidad a la interpretación. Como el procesamiento no depende del nivel de la señal (al contrario de un compresor), el sonido es parejo y el procesamiento ocurre siempre impartiéndole un nuevo carácter a la grabación.
Bueno, el Attacker es menos flexible, y solo te da procesamiento sobre el transitorio inicial y no sobre la porción de sostenido. Sin embargo es un plug in que normalmente tiene un costo de 59 euros, así que te imaginarás que no por ser menos flexible es malo o limitado, TODO LO CONTRARIO!!! Te servirá para dar nueva vida a bajos, baterías o trompetas. En fin, todo aquello que te resulte un poco flojo y necesite un poco mas de presencia, el Attacker puede ser la solución.
La promoción dura hasta el 15 de noviembre, así es que no lo pienses mas. Descárgalo Acá.
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miércoles, 16 de septiembre de 2009
Editorial 09/09: Genialidad Musical y Virtuosas del Bikini
Recuerdas cuando las estrellas de la industria de la música eran realmente talentosos? Algunos somos muy jóvenes, y muy poco recordamos de aquellos maestros. Gracias a Dios por YouTube, que nos permite revivir aquellos momentos de genialidad musical.
Me tope con estos dos videos que compartiré a continuación, el primero por BB King y el otro por Ray Charles. Lo que mas me llamó la atención es que la belleza musical de estas interpretaciones es mas bien una belleza rústica, en especial la primera parte del video de Ray Charles.
No escuchamos un cuarteto de cuerdas super armonioso sino tonos bastante disonantes, e incluso palabras mal pronunciadas. Por supuesto todo es parte del encanto...
Así que quizá debamos ir un poco atrás y preguntarnos qué hacía a estos músicos tan exitosos, y no hablo de dinero. Exitosos en el sentido de que realmente transmitían sensaciones, sentimientos y situaciones, y por eso la gente los adora. Quizá estemos un poco distraídos con tanta tecnología...
Pueda ser también que estemos distraídos con tanto Bikini. ¿A qué me refiero? Bueno, a la presentación de Britney Spears (una de las "divas" musicales de hoy día), en la que presenta su lista de las 10 cosas que cambiarían si ella fuera presidente de los EEUU. No solo eso, sino a los miles de desnudos (parciales y no tan parciales) en los videos, y a las cantantes que empiezan haciendo derroche de talento y luego se ven forzadas a "cambiar de estrategia", aunque nisiquiera tengan las carnes para hacerlo. Lo que mas me preocupa de todo esto es que si la señorita Spears se lanzara a presidente no sería de sorprenderse si ganara...
Por refrescante que sea para la vista, tener este tipo de "divas" encabezando los top ten, y siendo el objeto del grueso del apoyo de las disqueras no es bueno para la cultura musical. Es muy bueno para las billeteras de todos los involucrados, pero fomenta la pereza mental, arruina el paladar musical, y manda el mensaje equivocado a las generaciones musicales venideras.
Bueno, y no solo los bikinis distraen. Hay grupos y solistas componiendo canciones tontas, de esas que uno podría hacer por miles en una semana, y luego disfrutando de los mejores productores y la mejor publicidad disponible. ¿Me pregunto porque no apoyan así a alguien con verdadero talento? total, el grueso de la población consume lo que le vendan.
Se que nada de lo que yo pueda decir en este blog va a cambiar absolutamente nada en la industria, pero podría ser que afectara a mas de algún lector y por eso lo hago. Nunca en la historia habíamos tenido la oportunidad de grabar música con la calidad sónica que hoy tenemos disponible, por muy poco dinero, y en la comodidad de nuestros dormitorios. Sin embargo la calidad musical sigue sufriendo cada día mas.
Seamos parte de una contra cultura, una cultura de apreciación musical. Hip hop, salsa, electronica o lo que sea, no importando el género se puede hacer música con pasión, o música mediocre para ganar $$$. La buena música se ha convertido en un producto de nicho, que es cada vez mas difícil de encontrar. ¿Cuántas veces no hemos querido ser parte de un club muy esclusivo? un club de dueños de autos lujosos, o un club de millonarios, etc. Bueno, los amantes de la buena música son un club que hoy por hoy parece mas exclusivo que cualquier otro, y gracias al internet, tu membresía e incluso la música misma puede ser gratis en muchos casos.
Ven, acompáñanos y revivamos la genialidad musical de antaño.
Me tope con estos dos videos que compartiré a continuación, el primero por BB King y el otro por Ray Charles. Lo que mas me llamó la atención es que la belleza musical de estas interpretaciones es mas bien una belleza rústica, en especial la primera parte del video de Ray Charles.
No escuchamos un cuarteto de cuerdas super armonioso sino tonos bastante disonantes, e incluso palabras mal pronunciadas. Por supuesto todo es parte del encanto...
Así que quizá debamos ir un poco atrás y preguntarnos qué hacía a estos músicos tan exitosos, y no hablo de dinero. Exitosos en el sentido de que realmente transmitían sensaciones, sentimientos y situaciones, y por eso la gente los adora. Quizá estemos un poco distraídos con tanta tecnología...
Pueda ser también que estemos distraídos con tanto Bikini. ¿A qué me refiero? Bueno, a la presentación de Britney Spears (una de las "divas" musicales de hoy día), en la que presenta su lista de las 10 cosas que cambiarían si ella fuera presidente de los EEUU. No solo eso, sino a los miles de desnudos (parciales y no tan parciales) en los videos, y a las cantantes que empiezan haciendo derroche de talento y luego se ven forzadas a "cambiar de estrategia", aunque nisiquiera tengan las carnes para hacerlo. Lo que mas me preocupa de todo esto es que si la señorita Spears se lanzara a presidente no sería de sorprenderse si ganara...
Por refrescante que sea para la vista, tener este tipo de "divas" encabezando los top ten, y siendo el objeto del grueso del apoyo de las disqueras no es bueno para la cultura musical. Es muy bueno para las billeteras de todos los involucrados, pero fomenta la pereza mental, arruina el paladar musical, y manda el mensaje equivocado a las generaciones musicales venideras.
Bueno, y no solo los bikinis distraen. Hay grupos y solistas componiendo canciones tontas, de esas que uno podría hacer por miles en una semana, y luego disfrutando de los mejores productores y la mejor publicidad disponible. ¿Me pregunto porque no apoyan así a alguien con verdadero talento? total, el grueso de la población consume lo que le vendan.
Se que nada de lo que yo pueda decir en este blog va a cambiar absolutamente nada en la industria, pero podría ser que afectara a mas de algún lector y por eso lo hago. Nunca en la historia habíamos tenido la oportunidad de grabar música con la calidad sónica que hoy tenemos disponible, por muy poco dinero, y en la comodidad de nuestros dormitorios. Sin embargo la calidad musical sigue sufriendo cada día mas.
Seamos parte de una contra cultura, una cultura de apreciación musical. Hip hop, salsa, electronica o lo que sea, no importando el género se puede hacer música con pasión, o música mediocre para ganar $$$. La buena música se ha convertido en un producto de nicho, que es cada vez mas difícil de encontrar. ¿Cuántas veces no hemos querido ser parte de un club muy esclusivo? un club de dueños de autos lujosos, o un club de millonarios, etc. Bueno, los amantes de la buena música son un club que hoy por hoy parece mas exclusivo que cualquier otro, y gracias al internet, tu membresía e incluso la música misma puede ser gratis en muchos casos.
Ven, acompáñanos y revivamos la genialidad musical de antaño.
lunes, 31 de agosto de 2009
Anuncion: Semana de Inactividad Musical
Jeje... solo quería un título gracioso para anunciar que estaré fuera toda esta semana. Conseguí un trabajo al fin! (Alegría) aunque nada que ver con audio, y seguramente me quitará tiempo para el blog y para la música (Tristeza)...
Estaré en capacitación toda la semana, lejos de casa. Dan ganas de tener aunque sea una mandolina o una harmónica para llevarla, y no parar la actividad musical! ¿Alguno de ustedes tiene algun aparato/instrumento especial para hacer música cuando están de viaje?
Bueno, Frecuencia Fundamental seguirá de una forma u otra, tal vez a un ritmo mas bajo, pero acá estaremos.
Saludos!
.
Estaré en capacitación toda la semana, lejos de casa. Dan ganas de tener aunque sea una mandolina o una harmónica para llevarla, y no parar la actividad musical! ¿Alguno de ustedes tiene algun aparato/instrumento especial para hacer música cuando están de viaje?
Bueno, Frecuencia Fundamental seguirá de una forma u otra, tal vez a un ritmo mas bajo, pero acá estaremos.
Saludos!
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miércoles, 26 de agosto de 2009
Isone Pro: Simulador Binaural de Jeroen Breebaart
Eso de "simulador binaural" puede sonar muy complicado, pero no lo es. Hace unos días anuncié en una entrada que estaba por ser lanzado un nuevo plug in que ayudaría a trabajar audio utilizando audífonos (auriculares) como medio de monitorización. Pues ya está disponible, se llama Isone Pro, y cuesta solo 20 euros!!!
Este nuevo plug in VST de Jeroen Breebaart será un regalo del cielo para muchos, ya que hay una gran cantidad de productores y músicos, que por una razón u otra se ven obligados a mezclar y masterizar usando audífonos para monitorizarse.
Si no estás familiarizado con los problemas que pueden surgir al utilizar audífonos para mezclar y masterizar, lee mi tutorial sobre Mezcla Con Audífonos. Isone Pro elimina esos problemas a través de simular los eventos acústicos que el oído percibe al reproducir audio utilizando unos monitores dentro de un cuarto. Se tiene control sobre el tamaño de los monitores, la distancia, el tamaño del cuarto, y más.
Jeroen Breebaart es un verdadero científico que trabaja en investigación para los laboratorios de Phillips. Parte de su trabajo es en audición binaural, así que te puedes imaginar que Isone Pro no es producto de una improvisación. Tengo muchas esperanzas en este plug in, y a solo 20 euros, puede ser la solución perfecta para aquellos que en algún momento nos vemos obligados a usar audífonos como medio de monitorización. Pienso probarlo pronto, está pendiente de mis impresiones.
jueves, 20 de agosto de 2009
Tube Driver de Nick Crow (plug in vst gratis)
Bueno, solo hay algo seguro en cuanto a simuladores software de amplis a tubos: No suenan igual que el hardware.
Claro que eso no significa que suenen mal, hay algunos excelentes. En especial como los plug ins simuladores de amplis a tubos de Nick Crow , útiles tanto en guitarras como en cualquier otra fuente que necesite algo de "suciedad" y "filo". A eso agrégale que son gratis, y realmente no queda nada qué criticarles.
La última adición a su ya alabada cosecha es el Tube Driver Versión 1.0. Es un simulador de tubos que al parecer su desarrollador recomienda incluso para procesar mezclas completas.
El Tube Driver tiene ciertas prestaciones muy interesantes, como la capacidad de definir la resolución interna a la que procesa la señal de audio. Por supuesto cuenta con Oversampling, lo cual es indispensable para efectos de distorsión y saturación. Activando "Max on Render" puedes elegir una resolución de audio mas baja a la hora de mezclar para ahorrar CPU, y luego a la hora de renderizar el plug in utilizará el mayor oversampling disponible.
Otro parámetro interesante es "Drift". Algunos dispositivos analógicos no son tan precisos, y el valor de los parámetros varía constantemente en cantidades mínimas, dándole variedad y riqueza a los sonidos. "Drift" hacé que los valores de los parámetros del Tube Driver varíen de esta forma, desde muy sutil hasta muy notorio.
Claro que eso no significa que suenen mal, hay algunos excelentes. En especial como los plug ins simuladores de amplis a tubos de Nick Crow , útiles tanto en guitarras como en cualquier otra fuente que necesite algo de "suciedad" y "filo". A eso agrégale que son gratis, y realmente no queda nada qué criticarles.
La última adición a su ya alabada cosecha es el Tube Driver Versión 1.0. Es un simulador de tubos que al parecer su desarrollador recomienda incluso para procesar mezclas completas.
El Tube Driver tiene ciertas prestaciones muy interesantes, como la capacidad de definir la resolución interna a la que procesa la señal de audio. Por supuesto cuenta con Oversampling, lo cual es indispensable para efectos de distorsión y saturación. Activando "Max on Render" puedes elegir una resolución de audio mas baja a la hora de mezclar para ahorrar CPU, y luego a la hora de renderizar el plug in utilizará el mayor oversampling disponible.
Otro parámetro interesante es "Drift". Algunos dispositivos analógicos no son tan precisos, y el valor de los parámetros varía constantemente en cantidades mínimas, dándole variedad y riqueza a los sonidos. "Drift" hacé que los valores de los parámetros del Tube Driver varíen de esta forma, desde muy sutil hasta muy notorio.
sábado, 15 de agosto de 2009
Glosario / Tutorial: Volumen
Todos sabemos que el volumen en exceso lastima nuestros oídos,
pero hay muchos mas aspectos sobre el volumen que debemos conocer.
Pareciera que el volumen (en cuanto a audio) es un término demasiado sencillo y de uso diario, pero realmente definirlo puede ser difícil y profundo, debido a que hay factores psicoacústicos y hasta psicológicos que hay que tomar en cuenta.
"Volumen" es la palabra mas usada para referirse a la intensidad percibida del sonido. Si un sonido es débil, decimos que tiene poco volumen, y si es fuerte, decimos que tiene mucho volumen.
No se debe confundir el volumen con el nivel de presión sonora (que se mide en dB SPL) para el sonido, o la amplitud de onda para el audio. Estos últimos son términos cuantificables, que se pueden medir con precisión, y aunque están directamente relacionados no son sinónimos.
No se debe confundir el volumen con el nivel de presión sonora (que se mide en dB SPL) para el sonido, o la amplitud de onda para el audio. Estos últimos son términos cuantificables, que se pueden medir con precisión, y aunque están directamente relacionados no son sinónimos.
El volumen es un término subjetivo. Tiene que ver con la percepción del que escucha, y no es intrínseco a una fuente sonora en sí. Por ejemplo si quisiéramos medir el volumen que genera un amplificador de guitarra, el volumen percibido dependería del recinto donde se encuentre el amplificador y la persona que escucha. Dependería del tamaño del lugar, el material de las superficies, y de otros objetos que compartan el espacio. También dependería de la distancia entre el amplificador y la persona que oye. Mas sorprendente aún, también dependería de la persona en sí, pues dos personas pueden tener diferente percepción del volumen de un mismo sonido, aún en condiciones iguales.
El volumen depende también de la frecuencia. Una onda sinusoidal a 8 Khz, no sera escuchada con igual volumen que una a 80 Hz. Nuestros oídos son mas sensibles en las frecuencias que corresponden a la voz humana (al hablar, no cantando), aproximadamente de 1,000 a 5,000 Hertz. Esto tiene mucho sentido desde un punto de vista evolutivo, pues el rango dinámico y el espectro de frecuencias de la voz humana son muy limitados, y necesitamos filtrarla de entre todos los sonidos para podernos comunicar con otros.
Las unidades de medición del volumen son el Fonio y el Sonio.
10 es el número mágico
El uso del número 10 en la definición del decibelio o decibel, es con el propósito de crear una unidad que sea aproximadamente La Diferencia Apenas Perceptible del sonido. El oído humano no es sensible a variaciones de intensidad sonora demasiado pequeñas. Debido a que el volumen es en escencia la forma en que se percibe la intensidad sonora, se necesita aproximadamente 1 dB de variación en la intensidad sonora para que haya alguna variación perceptible en el volumen.
De hecho la intensidad sonora debe aumentar en un factor de 10 para que el volumen sea percibido como el doble. Se podría decir que toma 10 violines producir un sonido que sea percibido con el doble de volumen que un violín.
Como en todo este asunto, La Diferencia Apenas Perceptible también depende de la frecuencia,y del nivel de intensidad sonora. A niveles y frecuencias bajas el oído es menos sensible, y se necesitan variaciones mas grandes en la intensidad sonora para que se perciba un cambio en el volumen.
Otros caprichos auditivos...
Nuestro oído tiene otras idiosincrasias en su percepción del volumen que podrían parecer "caprichos auditivos", pero realmente todas tienen una función. He aquí unas cuantas de ellas:
- Sonidos con igual presión sonora, pero diferente ancho de banda, son percibidos con diferente volumen. Cuanto mas ancho sea el rango de frecuencias que componen el sonido, con mas volumen es percibido. Por ejemplo si tenemos dos sonidos, ambos con frecuencia central a 1,000 Hz y presión sonora de 60 dB. El primero tiene un ancho de banda de 100 Hz, de 950 a 1050 Hz. El segundo un ancho de banda de 200 Hz, de 900 a 1,100 Hz.
- Los sonidos de corta duración no son percibidos con el mismo volumen que los de larga duración, aún cuando tengan la misma presión sonora. Por ejemplo a 1000 Hz, un sonido con una duración de 3 milisegundos debe ser 15 dB mas fuerte para escucharse con un volumen igual a un sonido que dura 500 milisegundos.
- Música a mas alto volumen es percibida como mas placentera que a menor volumen (obviamente hasta cierto límite), aunque nada mas que el volumen haya cambiado. Esto se debe en parte a que a volúmenes mas altos la respuesta de frecuencia de nuestro oído se hace mas plana y balanceada.
- En los últimos dos principios se "justifica" la sobre compresión de la música. Al comprimir y limitar fuertemente el material sonoro, se "aplanan" los transitorios iniciales de las notas logrando que cada sílaba o nota sea un sonido de intensidad mas pareja durante toda su duración. Esto hace que la música se perciba con mayor volumen, y engañando a nuestro oído, mas placentera. El problema es que el efecto solo dura mientras llegue la fatiga auditiva, y eso sucede en un par de minutos. Luego se pierde sensibilidad en las frecuencias altas, y la distorsión por sobre compresión se hace mas evidente, lo único que quiere el oyente a este punto es descansar sus oídos. Es imposible escuchar un disco completo cuando ha sido sobre comprimido.
Aplicación
Comprender la naturaleza del volumen no es una tarea ociosa para el que produzca y mezcle música. A la hora de mezclar y masterizar por ejemplo, ya hemos visto que la sobre compresión puede causar efectos negativos en el oyente.
Sabemos que de 1,000 a 5,000 Hz (aproximadamente) el oído es mas sensible. Si quieres que algún elemento de tu música sobre salga en la mezcla, generalmente ecualizando de tal forma que se haga un realce de 3 dB o más en este rango de frecuencias lo lograrás.
También sabemos que cuanto mas amplio es el ancho de banda, mas sensible es nuestro oído al cambio de intensidad. Es por eso también que ecualizaciones que usen anchos de banda mas amplios (Q mas grandes en los ecualizadores paramétricos) son mas perceptibles. Por supuesto todo depende de la aplicación. A veces no queremos que la ecualización sea perceptible, como cuando utilizamos un ecualizador para filtrar cierta característica molesta de un sonido (como la sibilancia de las voces). Una ecualización con un ancho de banda extremadamente amplio es perceptible, pero de una forma muy natural sin afectar demasiado el balance general del sonido.
Una de las técnicas de mezcla mas efectivas es el uso de filtros. Se filtran aquellas frecuencias que no aportan nada a la mezcla, o que en el contexto de la pieza a ser mezclada, no aportan elementos útiles a determinada pista. Por ejemplo una flauta, por debajo de mas o menos 200 Hz no habrá nada que haga una diferencia sustancial en el timbre de su sonido, pero sí entorpece otros sonidos importantes en ese rango de frecuencias. Sin embargo al filtrar una pista (sobre todo al filtrar los graves) estamos reduciendo su volumen percibido, así que hay que reconsiderar el nivel de esa pista respecto a la mezcla total. Un buen consejo es empezar filtrando los graves en todas las pistas que no sean bajo y bombo, aproximadamente a unos 85 Hz, y luego balancear niveles. Conforme la mezcla avanza se puede empezar a filtrar mas arriba, pero el empezar a balancear niveles con los graves abajo de 85 Hz filtrados, nos da una mejor idea de qué tanto necesitamos realzar o atenuar cada pista y el tipo de EQ que necesitará.
El volumen depende también de la frecuencia. Una onda sinusoidal a 8 Khz, no sera escuchada con igual volumen que una a 80 Hz. Nuestros oídos son mas sensibles en las frecuencias que corresponden a la voz humana (al hablar, no cantando), aproximadamente de 1,000 a 5,000 Hertz. Esto tiene mucho sentido desde un punto de vista evolutivo, pues el rango dinámico y el espectro de frecuencias de la voz humana son muy limitados, y necesitamos filtrarla de entre todos los sonidos para podernos comunicar con otros.
Las unidades de medición del volumen son el Fonio y el Sonio.
10 es el número mágico
El uso del número 10 en la definición del decibelio o decibel, es con el propósito de crear una unidad que sea aproximadamente La Diferencia Apenas Perceptible del sonido. El oído humano no es sensible a variaciones de intensidad sonora demasiado pequeñas. Debido a que el volumen es en escencia la forma en que se percibe la intensidad sonora, se necesita aproximadamente 1 dB de variación en la intensidad sonora para que haya alguna variación perceptible en el volumen.
De hecho la intensidad sonora debe aumentar en un factor de 10 para que el volumen sea percibido como el doble. Se podría decir que toma 10 violines producir un sonido que sea percibido con el doble de volumen que un violín.
Como en todo este asunto, La Diferencia Apenas Perceptible también depende de la frecuencia,y del nivel de intensidad sonora. A niveles y frecuencias bajas el oído es menos sensible, y se necesitan variaciones mas grandes en la intensidad sonora para que se perciba un cambio en el volumen.
Otros caprichos auditivos...
Nuestro oído tiene otras idiosincrasias en su percepción del volumen que podrían parecer "caprichos auditivos", pero realmente todas tienen una función. He aquí unas cuantas de ellas:
- Sonidos con igual presión sonora, pero diferente ancho de banda, son percibidos con diferente volumen. Cuanto mas ancho sea el rango de frecuencias que componen el sonido, con mas volumen es percibido. Por ejemplo si tenemos dos sonidos, ambos con frecuencia central a 1,000 Hz y presión sonora de 60 dB. El primero tiene un ancho de banda de 100 Hz, de 950 a 1050 Hz. El segundo un ancho de banda de 200 Hz, de 900 a 1,100 Hz.
- Los sonidos de corta duración no son percibidos con el mismo volumen que los de larga duración, aún cuando tengan la misma presión sonora. Por ejemplo a 1000 Hz, un sonido con una duración de 3 milisegundos debe ser 15 dB mas fuerte para escucharse con un volumen igual a un sonido que dura 500 milisegundos.
- Música a mas alto volumen es percibida como mas placentera que a menor volumen (obviamente hasta cierto límite), aunque nada mas que el volumen haya cambiado. Esto se debe en parte a que a volúmenes mas altos la respuesta de frecuencia de nuestro oído se hace mas plana y balanceada.
- En los últimos dos principios se "justifica" la sobre compresión de la música. Al comprimir y limitar fuertemente el material sonoro, se "aplanan" los transitorios iniciales de las notas logrando que cada sílaba o nota sea un sonido de intensidad mas pareja durante toda su duración. Esto hace que la música se perciba con mayor volumen, y engañando a nuestro oído, mas placentera. El problema es que el efecto solo dura mientras llegue la fatiga auditiva, y eso sucede en un par de minutos. Luego se pierde sensibilidad en las frecuencias altas, y la distorsión por sobre compresión se hace mas evidente, lo único que quiere el oyente a este punto es descansar sus oídos. Es imposible escuchar un disco completo cuando ha sido sobre comprimido.
Aplicación
Comprender la naturaleza del volumen no es una tarea ociosa para el que produzca y mezcle música. A la hora de mezclar y masterizar por ejemplo, ya hemos visto que la sobre compresión puede causar efectos negativos en el oyente.
Sabemos que de 1,000 a 5,000 Hz (aproximadamente) el oído es mas sensible. Si quieres que algún elemento de tu música sobre salga en la mezcla, generalmente ecualizando de tal forma que se haga un realce de 3 dB o más en este rango de frecuencias lo lograrás.
También sabemos que cuanto mas amplio es el ancho de banda, mas sensible es nuestro oído al cambio de intensidad. Es por eso también que ecualizaciones que usen anchos de banda mas amplios (Q mas grandes en los ecualizadores paramétricos) son mas perceptibles. Por supuesto todo depende de la aplicación. A veces no queremos que la ecualización sea perceptible, como cuando utilizamos un ecualizador para filtrar cierta característica molesta de un sonido (como la sibilancia de las voces). Una ecualización con un ancho de banda extremadamente amplio es perceptible, pero de una forma muy natural sin afectar demasiado el balance general del sonido.
Una de las técnicas de mezcla mas efectivas es el uso de filtros. Se filtran aquellas frecuencias que no aportan nada a la mezcla, o que en el contexto de la pieza a ser mezclada, no aportan elementos útiles a determinada pista. Por ejemplo una flauta, por debajo de mas o menos 200 Hz no habrá nada que haga una diferencia sustancial en el timbre de su sonido, pero sí entorpece otros sonidos importantes en ese rango de frecuencias. Sin embargo al filtrar una pista (sobre todo al filtrar los graves) estamos reduciendo su volumen percibido, así que hay que reconsiderar el nivel de esa pista respecto a la mezcla total. Un buen consejo es empezar filtrando los graves en todas las pistas que no sean bajo y bombo, aproximadamente a unos 85 Hz, y luego balancear niveles. Conforme la mezcla avanza se puede empezar a filtrar mas arriba, pero el empezar a balancear niveles con los graves abajo de 85 Hz filtrados, nos da una mejor idea de qué tanto necesitamos realzar o atenuar cada pista y el tipo de EQ que necesitará.
jueves, 13 de agosto de 2009
Descanse en Paz Les Paul
Les Paul fue un inventor y pionero cuyos avances logrados revolucioanron la música y la tecnología musical. Entre muchas otras cosas fue precursor de nuevas técnicas de tocar la guitarra, el desarrollo de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido, la grabación multi track, así como de el desarrollo de muchos efectos como el Tape Delay y Phasing. También desarrolló incontables técnicas de grabación que son usadas hasta el día de hoy.
Su genialidad no tenía límites. Una vez construyó su propia máquina cortadora de discos (de los que usaban como masters para los vinilos), ¡utilizando partes de automóviles!
El tipo tenía 94 años. Pero ni contando con 3 veces esa cantidad podría alcanzar todo lo que Les Paul hizo, un verdadero genio, que merece y será recordado. Puedes leer mas sobre su vida acá.
Su genialidad no tenía límites. Una vez construyó su propia máquina cortadora de discos (de los que usaban como masters para los vinilos), ¡utilizando partes de automóviles!
El tipo tenía 94 años. Pero ni contando con 3 veces esa cantidad podría alcanzar todo lo que Les Paul hizo, un verdadero genio, que merece y será recordado. Puedes leer mas sobre su vida acá.
Descanse en paz
Les Paul
1915 - 2009
Les Paul
1915 - 2009
miércoles, 12 de agosto de 2009
Editorial 08/09: El Estudio Portátil
Hoy en día puedes llevar un estudio de producción musical en los bolsillosde tus jeans! En la foto, PC Vaio Series P.
En los últimos años la tecnología se ha vuelto, en tamaño y precio, considerablemente mas pequeña. Vivimos la era dorada para los que queremos producir música, y esto es solo el comienzo. Es impresionante la calidad de sonido que se puede obtener con un estudio casero. Convertidores A/D/A, micrófonos, pre amplificadores y más... Todo está disponible a un precio muy accesible, y con una calidad de audio tan buena, que hace apenas unos 10 años habría parecido ciencia ficción.
La nueva frontera es la tecnología portátil, y está alcanzando niveles increíbles. En el mundo del audio no es la excepción. Basta de ver la cantidad de grabadores de audio portátiles que han aparecido en el mercado los últimos años. Algunos como el Yamaha Pocket Trak 2G, tan pequeño como un par de lápices juntos. Otros como el H4n, aunque no tan pequeños, son prácticamente un estudio completo en una sola carcasa.
Claro que no hay aparato mas provechoso en la producción móvil de audio que las laptops. Mac o PC, caras o baratas, y de muchos colores... Casi cualquier laptop en el mercado de hoy, es capaz de soportar un par de instrumentos virtuales, y unos tantos mas tracks de audio. Incluso he sido capaz de correr 6 tracks de audio y dos instrumentos virtuales en una Netbook. La tecnología es maravillosa...
En cuanto a interfaces de audio hay un sin fin de opciones si lo que uno desea es movilidad. Mi Fast Track Ultra es una de mis favoritas debido a la gran cantidad de conexiones y pre amlificadores que reúne en un paquete liviano y portátil. Si uno no desea tanto, la nueva Apogee One parece ser una de las mejores opciones para el estudio móvil. Hasta incluye su propio micrófono de condensador! Muchos de los grabadores de audio portátiles (como los de Zoom), también pueden funcionar como una interfaz de audio.
Claro que con la miniaturización vienen algunos sacrificios . . .
En cuanto a interfaces de audio, las mas pequeñas y portátiles tendrán menos conexiones, y seguramente menos pre amplificadores. Siempre habrá algún sacrificio, es tu deber encontrarlo, y evaluar si no es importante para lo que quieres hacer. Por ejemplo un aparato como el nuevo Zoom R16 tiene toneladas de funcionalidades, y ciertamente muchos pre amplificadores y conexiones. Sin embargo sus faders son ultra cortos, de manera que es un medio de mezcla, y controlador de DAWs bastante mediocre. ¿Eso improrta? Depende de la aplicación...
En cuanto a computadoras, generalmente por el precio de una portátil es posible conseguir una PC de escritorio con mejores prestaciones. Es mas fácil actualizar y darle mantenimiento a una PC de escritorio, y considerablemente mas barato. Además está el asunto de la ergonomía y la comodidad de uso.
También, el sobre calentamiento de las computadoras portátiles es la causa mas común de desperfectos. No es extraño ver una laptop colapsar antes de los 2 años de uso. Ahora mismo estoy reparando una Vaio que se sobre calentó de tal forma que el compuesto térmico del CPU se derritió, y se salió de su sitio dejando el procesador sin enfriamiento. ¿La causa? Usaban la computadora sobre la cama, bloqueando la toma de aire que está debajo de la máquina. Se podría argumentar que es culpa del usuario mas que del diseño propio del aparato, pero esas tomas de aire son muy fáciles de bloquear, y si se usa la laptop sobre una superficie con polvo, la toma de aire se convierte en una aspiradora que termina por llenar el disipador con toda clase de partículas, eventualmente provocando sobre calentamiento y el colapso del sistema.
A la hora de escoger entre una computadora portátil y una de escritorio, la decisión debe basarse en una simple pregutna ¿Por qué quiero una portátil para la producción musical? Algunas razones válidas para escoger una portátil serían:
- Viajas y necesitas/quieres seguir produciendo música en el camino
- Vas a hacer grabaciones, o te presentarás en vivo en diferentes locaciones
- Solo puedes tener una computadora, y necesitas una laptop para tus tareas no relacionadas con
el audio.
Escoger una laptop solo por el "cool factor" no es una buena idea, pues acabarás sacrificando muchos aspectos a cambio de nada.
Quizá el Santo Grial de la tecnología portátil se haga realidad el día que podamos insertar una computadora en nuestros cerebros. Podríamos pasar todo el santo día componiendo música sin molestar a nadie, y sin que nadie lo notara. Luego importaríamos nuestras grabaciones via Wi-Fi a nuestras computadoras, luego al internet, y al éxito mundial!!! Pero... ¿Cómo presumiríamos entonces nuestro equipo en los foros y blogs . . .? :-) Bueno, será un lío para cuando la nano tecnología invada el mundo del audio digital. Mientras tanto, hoy por hoy la tecnología de producción musical portátil es una realidad , ¡aprovéchala!
La nueva frontera es la tecnología portátil, y está alcanzando niveles increíbles. En el mundo del audio no es la excepción. Basta de ver la cantidad de grabadores de audio portátiles que han aparecido en el mercado los últimos años. Algunos como el Yamaha Pocket Trak 2G, tan pequeño como un par de lápices juntos. Otros como el H4n, aunque no tan pequeños, son prácticamente un estudio completo en una sola carcasa.
Claro que no hay aparato mas provechoso en la producción móvil de audio que las laptops. Mac o PC, caras o baratas, y de muchos colores... Casi cualquier laptop en el mercado de hoy, es capaz de soportar un par de instrumentos virtuales, y unos tantos mas tracks de audio. Incluso he sido capaz de correr 6 tracks de audio y dos instrumentos virtuales en una Netbook. La tecnología es maravillosa...
En cuanto a interfaces de audio hay un sin fin de opciones si lo que uno desea es movilidad. Mi Fast Track Ultra es una de mis favoritas debido a la gran cantidad de conexiones y pre amlificadores que reúne en un paquete liviano y portátil. Si uno no desea tanto, la nueva Apogee One parece ser una de las mejores opciones para el estudio móvil. Hasta incluye su propio micrófono de condensador! Muchos de los grabadores de audio portátiles (como los de Zoom), también pueden funcionar como una interfaz de audio.
Claro que con la miniaturización vienen algunos sacrificios . . .
En cuanto a interfaces de audio, las mas pequeñas y portátiles tendrán menos conexiones, y seguramente menos pre amplificadores. Siempre habrá algún sacrificio, es tu deber encontrarlo, y evaluar si no es importante para lo que quieres hacer. Por ejemplo un aparato como el nuevo Zoom R16 tiene toneladas de funcionalidades, y ciertamente muchos pre amplificadores y conexiones. Sin embargo sus faders son ultra cortos, de manera que es un medio de mezcla, y controlador de DAWs bastante mediocre. ¿Eso improrta? Depende de la aplicación...
En cuanto a computadoras, generalmente por el precio de una portátil es posible conseguir una PC de escritorio con mejores prestaciones. Es mas fácil actualizar y darle mantenimiento a una PC de escritorio, y considerablemente mas barato. Además está el asunto de la ergonomía y la comodidad de uso.
También, el sobre calentamiento de las computadoras portátiles es la causa mas común de desperfectos. No es extraño ver una laptop colapsar antes de los 2 años de uso. Ahora mismo estoy reparando una Vaio que se sobre calentó de tal forma que el compuesto térmico del CPU se derritió, y se salió de su sitio dejando el procesador sin enfriamiento. ¿La causa? Usaban la computadora sobre la cama, bloqueando la toma de aire que está debajo de la máquina. Se podría argumentar que es culpa del usuario mas que del diseño propio del aparato, pero esas tomas de aire son muy fáciles de bloquear, y si se usa la laptop sobre una superficie con polvo, la toma de aire se convierte en una aspiradora que termina por llenar el disipador con toda clase de partículas, eventualmente provocando sobre calentamiento y el colapso del sistema.
A la hora de escoger entre una computadora portátil y una de escritorio, la decisión debe basarse en una simple pregutna ¿Por qué quiero una portátil para la producción musical? Algunas razones válidas para escoger una portátil serían:
- Viajas y necesitas/quieres seguir produciendo música en el camino
- Vas a hacer grabaciones, o te presentarás en vivo en diferentes locaciones
- Solo puedes tener una computadora, y necesitas una laptop para tus tareas no relacionadas con
el audio.
Escoger una laptop solo por el "cool factor" no es una buena idea, pues acabarás sacrificando muchos aspectos a cambio de nada.
Quizá el Santo Grial de la tecnología portátil se haga realidad el día que podamos insertar una computadora en nuestros cerebros. Podríamos pasar todo el santo día componiendo música sin molestar a nadie, y sin que nadie lo notara. Luego importaríamos nuestras grabaciones via Wi-Fi a nuestras computadoras, luego al internet, y al éxito mundial!!! Pero... ¿Cómo presumiríamos entonces nuestro equipo en los foros y blogs . . .? :-) Bueno, será un lío para cuando la nano tecnología invada el mundo del audio digital. Mientras tanto, hoy por hoy la tecnología de producción musical portátil es una realidad , ¡aprovéchala!
martes, 11 de agosto de 2009
6 x 1 en Plug ins de IK Multimedia
Ik multimedia, poco después de haber lanzado T Rack 3, lanzó la serie T RAcks 3 Single. Consiste en los procesadores de T Racks, pero en forma individual y en formato plug in. Cada uno tiene un valor de $99.99, lo cual es bastante justo tomando en cuenta la calidad del sonido de éstos.
Sin embargo para algunos de nosotros pagar $100 por un solo plug in no es financieramente viable. Bueno, esta es tu oportunidad de armarte con la calidad de T Racks, por un excelente precio. Resulta que si compras un solo plug in de la serie T Racks Single, IK Multimedia te regala 4 mas, además de uno de sus plug ins de reverberancia!!! Eso es 6 x 1, $550 en plug ins por solo $99.99, y solo $16.66 por plug in... no se puede pedir mas.
Tienes hasta el 31 de agosto de 2009 para comprar y registrar el plug in que compres, y luego se te dará acceso al resto.
La situación económica está difícil, pero esta es una oportunidad que no puedes dejar pasar. Yo ya le exigí un poco mas a mi ya sobrecargada tarjeta de crédito :)
Sin embargo para algunos de nosotros pagar $100 por un solo plug in no es financieramente viable. Bueno, esta es tu oportunidad de armarte con la calidad de T Racks, por un excelente precio. Resulta que si compras un solo plug in de la serie T Racks Single, IK Multimedia te regala 4 mas, además de uno de sus plug ins de reverberancia!!! Eso es 6 x 1, $550 en plug ins por solo $99.99, y solo $16.66 por plug in... no se puede pedir mas.
Tienes hasta el 31 de agosto de 2009 para comprar y registrar el plug in que compres, y luego se te dará acceso al resto.
La situación económica está difícil, pero esta es una oportunidad que no puedes dejar pasar. Yo ya le exigí un poco mas a mi ya sobrecargada tarjeta de crédito :)
lunes, 3 de agosto de 2009
Jeroen Breebaart: Si se puede mezclar con audífonos
Jeroen Breebaart es un desarrollador de plug ins de ultra alta calidad, y muy baratos también. Resultan ser una ganga por la calidad de su sonido. El paquete de todos sus plug ins VST comerciales cuesta solo 35 EUR, y 10 EUR individualmente. Una verdadera ganga!!
También tiene algunos gratuitos, que son tan buenos (o mejores) como los comerciales en su calidad de audio y procesamiento. En la mayoría de casos la única diferencia es que los comerciales te dan mas parámetros configurables. Puedes descargar sus plug in VST gratuitos acá. Omniverb es mi reverb VST gratuita favorita, y Ferox es un versátil procesador para darle carácter a tus tracks.
Pues resulta que ahora Jeroen está desarrollando el Isone Pro, un plug in que te ayudará a mezclar y masterizar audio usando audífonos. Si no estás familiarizado con la razón por la cual mezclar con audífonos no es lo mejor, lee esta entrada. Isone Pro corregirá los problemas de trabajar audio con audífonos, a través de "virtualizar" una sala. Esto se logra generando artificialmente todos los eventos acústicos que ocurren al monitorizar audio, usando unos parlantes (bocinas), dentro de un cuarto.
La entrada sobre Mezcla con Audífonos es una de las mas populares de este blog. En ella recomiendo el plug in Freeware Crossfeed and EQ, el cual funciona muy bien. Sin embargo tengo muchas esperanzas en este nuevo plug in, pues Jeroen no es un adolescente medio hacker que se haya puesto a programar efectos VST. De hecho el trabaja para Phillips en investigación y desarrollo, y es un científico que ha hecho varios trabajos sobre procesamiento DSP y escucha binaural, es decir localización espacial del sonido (su briografía).
Es obvio que es alguien que sabe lo que hace, y a juzgar por la calidad de sus otros plug ins, tengo muchas espectativas en este nuevo proyecto. Está pendiente, estare informando.
También tiene algunos gratuitos, que son tan buenos (o mejores) como los comerciales en su calidad de audio y procesamiento. En la mayoría de casos la única diferencia es que los comerciales te dan mas parámetros configurables. Puedes descargar sus plug in VST gratuitos acá. Omniverb es mi reverb VST gratuita favorita, y Ferox es un versátil procesador para darle carácter a tus tracks.
Pues resulta que ahora Jeroen está desarrollando el Isone Pro, un plug in que te ayudará a mezclar y masterizar audio usando audífonos. Si no estás familiarizado con la razón por la cual mezclar con audífonos no es lo mejor, lee esta entrada. Isone Pro corregirá los problemas de trabajar audio con audífonos, a través de "virtualizar" una sala. Esto se logra generando artificialmente todos los eventos acústicos que ocurren al monitorizar audio, usando unos parlantes (bocinas), dentro de un cuarto.
La entrada sobre Mezcla con Audífonos es una de las mas populares de este blog. En ella recomiendo el plug in Freeware Crossfeed and EQ, el cual funciona muy bien. Sin embargo tengo muchas esperanzas en este nuevo plug in, pues Jeroen no es un adolescente medio hacker que se haya puesto a programar efectos VST. De hecho el trabaja para Phillips en investigación y desarrollo, y es un científico que ha hecho varios trabajos sobre procesamiento DSP y escucha binaural, es decir localización espacial del sonido (su briografía).
Es obvio que es alguien que sabe lo que hace, y a juzgar por la calidad de sus otros plug ins, tengo muchas espectativas en este nuevo proyecto. Está pendiente, estare informando.
sábado, 1 de agosto de 2009
Tutorial: Consejos para grabar instrumentos de cuerda
Bueno, aprovechando que quería compartir este excelente video con los lectores de Frecuencia Fundamental, pensé en compartir algunos consejitos al grabar instrumentos de cuerda. La mandolina y el violín son dos de mis instrumentos predilectos. Son tan orgánicos, y portátiles, que el instrumentista se hace "un solo ser" con el instrumento musical.
El violín y la mandolina tiene mucho carácter, un sonido casi "crudo", un tanto rudo a veces. Pero también pueden ser dulces y sutiles. Como puedes ver en este video, aunque la interpretación musical es casi impecable, en cuanto a calidad de audio hay mucho que desear, especialmente porque parece que se quizo "endulzar demasiado" el sonido de los intrumentos. La mandólina a veces suena como guitarra clásica, y el violín cobra un carácter de sintetizador por momentos.
Esto se debe principalmente a que la grabación se hizo utilizando algún tipo de pastillas, en vez de microfonear los instrumentos. También parece ser que se les pasó un poco la mano con la post producción, y a mi gusto, hay demasiado efecto. Seguramente habrá bastante EQ.
Tomando en cuenta algunas consideraciones sobre instrumentos de cuerda, y sobre la forma de grabarlos, serás capaz de capturar un sonido mas natural. Toma en cuenta, al leer mis consejos, que en lo personal me gusta escuchar en una grabación las idiosincracias de un instrumento. Me gusta obtener un sonido mas bien crudo, con algunas imperfecciones aquí y allá. Como siempre, todo depende de la situación, y de qué desee el productor y el artista.
Por supuesto que al hablar de guiatarras en este mini tutorial, estamos hablando de guitarrás acústicas, cuerdas de metal o nylon. Las guitarras eléctricas son otro tema completamente distinto.
De los instrumentos de cuerda...
- No son las cuerdas que producen el sonido :) Las cuerdas transmiten sus vibraciones al puente, y éste las transmite a la "tapa", o parte superior del cuerpo del instrumento. Esto hace que el aire en el interior resuene, y se produzca el sonido. Siempre es mejor una guitarra cuya tapa sea de madera sólida y no contrachapada.
- A veces se rompe la regla, y por supuesto lo que manda es el oído. Tengo una guitarra superbarata Yamaha F350 de madera contrachapada, incluso la tapa. Y suena mejor que muchas de madera sólida que he escuchado. Las series F de guitarras Yamaha, son una excelente inversión.
- El sonido NO sale por los agujeros del cuerpo de los instrumento de cuerda. Todo el cuerpo vibra (especialmente la tapa), proyectando el sonido en todas direcciones.
- Cuerdas viejas: MAL, cuerdas nuevas: PEOR. En serio, a veces unas cuerdas bastante usadas pueden tener un tono mas parejo, y pueden sostener mejor la afinación que cuerdas nuevas. No me mal entiendas, cuando vayas a grabar CAMBIA LAS CUERDAS. Pero no las cambies justo antes de grabar, las cuerdas tienen que pasar un proceso de estiramiento, después del cual ya no cederán, y mantendrán la afinación.
- Todos conocen el sonido de un dedo que se desliza por una cuerda de una guitarra acústica, y produce un pequeño chirrido. Todos los instrumentos de cuerda producen sonidos "secundarios" similares. No les temas, NO SON DEFECTO, son parte del carácter del instrumento. Por supuesto acá no hablamos de ruidos exagerados y obtrusivos generados por una mala técnica del interprete.
De la grabación de los instrumentos de cuerda...
- Definitivamente necesitas un micrófono exterior para capturar el caracter real de los instrumentos de cuerda. Las pastillas (guitar pick ups) electroacústicas, por útiles y de alta calidad que sean, son una "imitación" electromagnética del sonido real. Una sola pastilla no es capaz de captar las intricadas interacciones entre todas las partes de un instrumento de cuerda, porque todas las partes contribuyen al sonido final.
- Aún cuando el instrumento tenga un micrófono interior, en vez de una pastilla electromagnética, no captará un sonido natural y abierto. Sería oír una bocina desde dentro de su gabinete! Cuando oímos el instrumento, las ondas ya se han "desarrollado" en el aire. Además el sonido ya ha interactuado con el entorno, y esas reflexiones también se toman por el micrófono.
- En todo caso lo mejor es grabar el sistema de amplificación que contenga el instrumento (micrófono o pastilla electromagnética), junto con la señal producida por un micrófono externo. Esto te dará opciones a la hora de mezclar, pues puede que en una de las señales se encuentre cierto carácter que quieras enfatizar, entonces se trata de combinar las dos y sacar lo mejor de ambas para crear el sonido deseado.
- Al grabar las dos señales como se explico en el último párrafo, hay dos cosas que debes tomar en cuenta. Primero, se te puden presentar problemas de fase que adelgacen el sonido, o le den un carácter nasal y lejano. Esto se puede dar siempre que grabas una misma fuente, usando dos medios distintos (incluso dos micrófonos). Investiga sobre el tema y sobre cómo lidiar con él, pues va mucho mas allá del alcance de este tutorial. Pero te diré que hay varias formas de resolver problemas de fase, incluso con plug in. Segundo, debes usar EQ para usar les secciones del espectro sónico que desees de cada señal. Por ejemplo la señal de una pastilla electromagnética puede ser muy útil para realzar el sonido de la púa en las cuerdas. Pero para no tener problemas de fase, y para obtener un sonido limpio, vale la pena filtrar todas las demás frecuencias que no se deseen, o que sean redundantes con la otra señal.
- Necesitas un micrófono de condensador. Los micrófonos dinámicos no son lo suficientemente sencibles para capturar todos los detalles de un instrumento de cuerda. Como siempre, la aplicación y el oído mandan. Una guitarra acústica con cuerdas de metal ejecutando un rasgado rítmico, es un buen candidato para un micro dinámico, que podría darle un sonido un tanto mas agresivo. En cuanto a micrófonos de condensador vale la pena también considerar los de pequeño diafragma. Estos te darán un poco menos de respuesta en los bajos, que de cualquier forma en la mayoría de los casos se filtra al mezclar. También los ataques de las notas serán un poco mas ricos y definidos. Si tienes un espacio acústicamente descente, intenta probar otros patrones polares, especialmente el omnidireccional, que puede dar unos bajos de sonido mucho mas natural, y un carácter general mas abierto y "grande".
- No hay reglas escritas en piedra sobre donde colocar el micrófono para lograr un buen sonido. La única regla de oro de la microfonía que yo me atrevo a enunciar es: "Nunca se microfonea la parte mas estridente de la fuente". En el caso de un instrumento de cuerda, esa parte son los agujeros del cuerpo. Los redondos en el caso de las guitarras, y los agujeros en "F" para instrumentos de orquesta y mandolinas. Por los gujeros sale demasiado aire, y el sonido que obtendrás será bastante sucio en los medios-bajos y bajos, con falta de definición. Un buen lugar para empezar a probar es la parte donde se une el mástil al cuerpo, mas o menos a un pie de distancia. Si quieres menos bajos y mas sonido de las cuerdas, sube el micrófono hacia la cabeza. Si quieres mas bajos, acércalo mas al cuerpo, sin llegar a ponerlo justo enfrente de alguno de los agujeros. Algunas resonancias graves se pueden capturar microfoneando detrás del puente, ya sea por el lado de enfrente, o por detrás (si, nada te impide micrófonear la guitarra desde la espalda del interprete). Aunque en mi experiencia esto es útil solo cuando el instrumento de cuerda tiene un papel protagónico en la pieza, y se le quiere dar peso, y un balance parejo en todo su rango de frecuencia.
- Por supuesto no estás limitado a utilizar un solo micrófono. Por ejemplo para una guitarra, podrías usar uno de diafragma grande detrás del puente, otro de diafragma grande también, donde se une el mástil y el cuerpo. Y uno mas, esta vez de diafragma pequeño, cerca de la cabeza, apuntando hacia los trastes. Luego combinarías hasta lograr el sonido deseado, o si por ejemplo en alguna parte de la canción necesitas mas cuerpo, pues activas el de atrás del traste. Luego que necesitas mas sonido de rasgado, y de las cuerdas, activas el de pequeño diafragma. Eso sin entrar a técnicas de microfonía estéreo, donde obviamente necesitarías 2 micrófonos...
- A veces un poco de distorsión o saturación le dan a los violines esos armónicos extra que necesitan. Por supuesto tienes que ser muuuy sutil, no queremos hacer parecer que Van Halen está interpretando instruemntos de orquesta.
Espero que mis consejos te ayuden a obtener mejores grabaciones.
Por último, te insto a que te atrevas a probar el sonido de tus instrumentos de cuerda, dejándolos un poquito mas crudos. No te preocupes por los ruiditos, o por endulzarlos tanto. Verás como aunque al principio te suene un tanto raro, luego te dará una sensación de naturalidad y realismo.
El violín y la mandolina tiene mucho carácter, un sonido casi "crudo", un tanto rudo a veces. Pero también pueden ser dulces y sutiles. Como puedes ver en este video, aunque la interpretación musical es casi impecable, en cuanto a calidad de audio hay mucho que desear, especialmente porque parece que se quizo "endulzar demasiado" el sonido de los intrumentos. La mandólina a veces suena como guitarra clásica, y el violín cobra un carácter de sintetizador por momentos.
Esto se debe principalmente a que la grabación se hizo utilizando algún tipo de pastillas, en vez de microfonear los instrumentos. También parece ser que se les pasó un poco la mano con la post producción, y a mi gusto, hay demasiado efecto. Seguramente habrá bastante EQ.
Tomando en cuenta algunas consideraciones sobre instrumentos de cuerda, y sobre la forma de grabarlos, serás capaz de capturar un sonido mas natural. Toma en cuenta, al leer mis consejos, que en lo personal me gusta escuchar en una grabación las idiosincracias de un instrumento. Me gusta obtener un sonido mas bien crudo, con algunas imperfecciones aquí y allá. Como siempre, todo depende de la situación, y de qué desee el productor y el artista.
Por supuesto que al hablar de guiatarras en este mini tutorial, estamos hablando de guitarrás acústicas, cuerdas de metal o nylon. Las guitarras eléctricas son otro tema completamente distinto.
De los instrumentos de cuerda...
- No son las cuerdas que producen el sonido :) Las cuerdas transmiten sus vibraciones al puente, y éste las transmite a la "tapa", o parte superior del cuerpo del instrumento. Esto hace que el aire en el interior resuene, y se produzca el sonido. Siempre es mejor una guitarra cuya tapa sea de madera sólida y no contrachapada.
- A veces se rompe la regla, y por supuesto lo que manda es el oído. Tengo una guitarra superbarata Yamaha F350 de madera contrachapada, incluso la tapa. Y suena mejor que muchas de madera sólida que he escuchado. Las series F de guitarras Yamaha, son una excelente inversión.
- El sonido NO sale por los agujeros del cuerpo de los instrumento de cuerda. Todo el cuerpo vibra (especialmente la tapa), proyectando el sonido en todas direcciones.
- Cuerdas viejas: MAL, cuerdas nuevas: PEOR. En serio, a veces unas cuerdas bastante usadas pueden tener un tono mas parejo, y pueden sostener mejor la afinación que cuerdas nuevas. No me mal entiendas, cuando vayas a grabar CAMBIA LAS CUERDAS. Pero no las cambies justo antes de grabar, las cuerdas tienen que pasar un proceso de estiramiento, después del cual ya no cederán, y mantendrán la afinación.
- Todos conocen el sonido de un dedo que se desliza por una cuerda de una guitarra acústica, y produce un pequeño chirrido. Todos los instrumentos de cuerda producen sonidos "secundarios" similares. No les temas, NO SON DEFECTO, son parte del carácter del instrumento. Por supuesto acá no hablamos de ruidos exagerados y obtrusivos generados por una mala técnica del interprete.
De la grabación de los instrumentos de cuerda...
- Definitivamente necesitas un micrófono exterior para capturar el caracter real de los instrumentos de cuerda. Las pastillas (guitar pick ups) electroacústicas, por útiles y de alta calidad que sean, son una "imitación" electromagnética del sonido real. Una sola pastilla no es capaz de captar las intricadas interacciones entre todas las partes de un instrumento de cuerda, porque todas las partes contribuyen al sonido final.
- Aún cuando el instrumento tenga un micrófono interior, en vez de una pastilla electromagnética, no captará un sonido natural y abierto. Sería oír una bocina desde dentro de su gabinete! Cuando oímos el instrumento, las ondas ya se han "desarrollado" en el aire. Además el sonido ya ha interactuado con el entorno, y esas reflexiones también se toman por el micrófono.
- En todo caso lo mejor es grabar el sistema de amplificación que contenga el instrumento (micrófono o pastilla electromagnética), junto con la señal producida por un micrófono externo. Esto te dará opciones a la hora de mezclar, pues puede que en una de las señales se encuentre cierto carácter que quieras enfatizar, entonces se trata de combinar las dos y sacar lo mejor de ambas para crear el sonido deseado.
- Al grabar las dos señales como se explico en el último párrafo, hay dos cosas que debes tomar en cuenta. Primero, se te puden presentar problemas de fase que adelgacen el sonido, o le den un carácter nasal y lejano. Esto se puede dar siempre que grabas una misma fuente, usando dos medios distintos (incluso dos micrófonos). Investiga sobre el tema y sobre cómo lidiar con él, pues va mucho mas allá del alcance de este tutorial. Pero te diré que hay varias formas de resolver problemas de fase, incluso con plug in. Segundo, debes usar EQ para usar les secciones del espectro sónico que desees de cada señal. Por ejemplo la señal de una pastilla electromagnética puede ser muy útil para realzar el sonido de la púa en las cuerdas. Pero para no tener problemas de fase, y para obtener un sonido limpio, vale la pena filtrar todas las demás frecuencias que no se deseen, o que sean redundantes con la otra señal.
- Necesitas un micrófono de condensador. Los micrófonos dinámicos no son lo suficientemente sencibles para capturar todos los detalles de un instrumento de cuerda. Como siempre, la aplicación y el oído mandan. Una guitarra acústica con cuerdas de metal ejecutando un rasgado rítmico, es un buen candidato para un micro dinámico, que podría darle un sonido un tanto mas agresivo. En cuanto a micrófonos de condensador vale la pena también considerar los de pequeño diafragma. Estos te darán un poco menos de respuesta en los bajos, que de cualquier forma en la mayoría de los casos se filtra al mezclar. También los ataques de las notas serán un poco mas ricos y definidos. Si tienes un espacio acústicamente descente, intenta probar otros patrones polares, especialmente el omnidireccional, que puede dar unos bajos de sonido mucho mas natural, y un carácter general mas abierto y "grande".
- No hay reglas escritas en piedra sobre donde colocar el micrófono para lograr un buen sonido. La única regla de oro de la microfonía que yo me atrevo a enunciar es: "Nunca se microfonea la parte mas estridente de la fuente". En el caso de un instrumento de cuerda, esa parte son los agujeros del cuerpo. Los redondos en el caso de las guitarras, y los agujeros en "F" para instrumentos de orquesta y mandolinas. Por los gujeros sale demasiado aire, y el sonido que obtendrás será bastante sucio en los medios-bajos y bajos, con falta de definición. Un buen lugar para empezar a probar es la parte donde se une el mástil al cuerpo, mas o menos a un pie de distancia. Si quieres menos bajos y mas sonido de las cuerdas, sube el micrófono hacia la cabeza. Si quieres mas bajos, acércalo mas al cuerpo, sin llegar a ponerlo justo enfrente de alguno de los agujeros. Algunas resonancias graves se pueden capturar microfoneando detrás del puente, ya sea por el lado de enfrente, o por detrás (si, nada te impide micrófonear la guitarra desde la espalda del interprete). Aunque en mi experiencia esto es útil solo cuando el instrumento de cuerda tiene un papel protagónico en la pieza, y se le quiere dar peso, y un balance parejo en todo su rango de frecuencia.
- Por supuesto no estás limitado a utilizar un solo micrófono. Por ejemplo para una guitarra, podrías usar uno de diafragma grande detrás del puente, otro de diafragma grande también, donde se une el mástil y el cuerpo. Y uno mas, esta vez de diafragma pequeño, cerca de la cabeza, apuntando hacia los trastes. Luego combinarías hasta lograr el sonido deseado, o si por ejemplo en alguna parte de la canción necesitas mas cuerpo, pues activas el de atrás del traste. Luego que necesitas mas sonido de rasgado, y de las cuerdas, activas el de pequeño diafragma. Eso sin entrar a técnicas de microfonía estéreo, donde obviamente necesitarías 2 micrófonos...
- A veces un poco de distorsión o saturación le dan a los violines esos armónicos extra que necesitan. Por supuesto tienes que ser muuuy sutil, no queremos hacer parecer que Van Halen está interpretando instruemntos de orquesta.
Espero que mis consejos te ayuden a obtener mejores grabaciones.
Por último, te insto a que te atrevas a probar el sonido de tus instrumentos de cuerda, dejándolos un poquito mas crudos. No te preocupes por los ruiditos, o por endulzarlos tanto. Verás como aunque al principio te suene un tanto raro, luego te dará una sensación de naturalidad y realismo.
viernes, 31 de julio de 2009
¿Mixers Mackie y Pro Tools?
WOW! WOW! WOOOOOW!!!!
Lo imposible! Parece ser que ahora ciertas interfaces Mackie funcionarán con Pro Tools M-Powered. Vi esta noticia en Sonic State, donde se anuncia que Mackie ha "crackeado" el código de Digidesign, y que ha hecho posible utilizar ciertas consolas nuevas de Mackie con Pro Tools M-Powered.
Cuando vi el título pensé "Eso debe ser ilegal", pero luego de ver el video, y de pensarlo detenidamente, estoy convencido que es un ardid publicitario para un nuevo Pro Tools Mackie Powered. Vaya! Los directivos de Mackie no son ningunos tontos (obviamente), no puede ser que se hechen encima a AVID.
Seguramente el dongle USB aún será requerido. Pro Tools se ha mantenido como uno de los pocos programas que gozan el status de no haber sido crackeados, y no creo que AVID esté dispuesto a cambiar eso.
Bueno, mas opciones para los usuarios, eso siempre tienen que ser buenas noticias. . . Acá está el video de Sonic State:
Cuando vi el título pensé "Eso debe ser ilegal", pero luego de ver el video, y de pensarlo detenidamente, estoy convencido que es un ardid publicitario para un nuevo Pro Tools Mackie Powered. Vaya! Los directivos de Mackie no son ningunos tontos (obviamente), no puede ser que se hechen encima a AVID.
Seguramente el dongle USB aún será requerido. Pro Tools se ha mantenido como uno de los pocos programas que gozan el status de no haber sido crackeados, y no creo que AVID esté dispuesto a cambiar eso.
Bueno, mas opciones para los usuarios, eso siempre tienen que ser buenas noticias. . . Acá está el video de Sonic State:
jueves, 30 de julio de 2009
Bobby McFerrin: La escala pentatónica está en nosotros
Siempre lo he dicho: Si pudiera robar el talento de alguien, sería el de Bobby McFerrin. No solamente tiene una capacidad vocal increíble, hace del dicho "mi voz es mi instrumento" una verdadera realidad. Además es un artista completo, con mucha creatividad y carisma en el escenario.
En el marco del World Science Festival, McFerrin fue uno de los panelistas en la plática denominada "Notas y Neuronas: En la búsqueda de un coro común", que trata sobre nuestra respuesta a la música según nuestra transfondo cultural. Bobby, siendo un maestro de la improvisación, monta una de sus famosas interpretaciones donde usa la audiencia como un coro.
He visto muchas de estas actuaciones, pero esta en particular es impresionante. En ella el artista demuestra que la gente es capaz de "intuír" la escala pentatónica, y que realmente dicha escala "vive" dentro de nosotros. Es una demostración que el ha hecho en muchos lugares, y sin importar en qué cultura se encuentre, la gente siempre es capaz de seguirlo. Es importante recordar que la audiencia, en este caso, no está formada por músicos sino por gente de la comunidad científica.
En el marco del World Science Festival, McFerrin fue uno de los panelistas en la plática denominada "Notas y Neuronas: En la búsqueda de un coro común", que trata sobre nuestra respuesta a la música según nuestra transfondo cultural. Bobby, siendo un maestro de la improvisación, monta una de sus famosas interpretaciones donde usa la audiencia como un coro.
He visto muchas de estas actuaciones, pero esta en particular es impresionante. En ella el artista demuestra que la gente es capaz de "intuír" la escala pentatónica, y que realmente dicha escala "vive" dentro de nosotros. Es una demostración que el ha hecho en muchos lugares, y sin importar en qué cultura se encuentre, la gente siempre es capaz de seguirlo. Es importante recordar que la audiencia, en este caso, no está formada por músicos sino por gente de la comunidad científica.
World Science Festival 2009: Bobby McFerrin Demonstrates the Power of the Pentatonic Scale from World Science Festival on Vimeo.
miércoles, 29 de julio de 2009
Glosario: Nivel de Presión Sonora (Sound Pressure Level SPL)
La "Presión Sonora" se refiere a la desviación en la presión del aire respecto a la presión atmosférica , causada por una onda sonora.
Suena difícil, no lo es. Como sabes el sonido es una onda que viaja, la cual consiste en oscilaciones en la presión de las moléculas del medio por el que avanza (Aire, agua o solidos). En el caso de la Presión Sonora, esas oscilaciones de presión se miden respecto a la presión atmosférica.
El Nivel de Presión Sonora es la medición logarítmica del valor promedio de la presión sonora, respecto a un nivel de referencia. Generalmente ese nivel de referencia es lo que se considera la presión sonora, del sonido mas débil audíble: 20 micro Pascales.
Mientras que la presión sonora se mide en Pascales, el Nivel de Presión Sonora se mide en decíbeles SPL, y se abrevia "dB SPL", por las siglas en inglés de Sound Pressure Level. Cuanto mas decíbeles SPL tenga un sonido, mas fuerte, o con mas volumen es percibido. La exposición prolongada a níveles mayores a 85 dB SPL (aproximadamente) causa pérdida temporal de la audición, aunque también puede provocar daño irreversible. Niveles de presión sonora de alrededor de 120 dB SPL causan daño irreversible al oído, y es mas o menos en este punto donde se encuentra el umbral de dolor. El tímpano tiene que estar tan tenso para no romperse a este nivel de presión sonora, que los oídos duelen.
Por encima de los 194 dB SPL las ondas dejan de ser sonido y se convierten en ondas de choque, como las de las explosiones. Son muy destructivas.
A continuación se presenta una tabla de valores de Presión Sonora en pascales, y Níveles de Presión Sonora en dB SPL, para algunas fuentes de sonido comunes.
Suena difícil, no lo es. Como sabes el sonido es una onda que viaja, la cual consiste en oscilaciones en la presión de las moléculas del medio por el que avanza (Aire, agua o solidos). En el caso de la Presión Sonora, esas oscilaciones de presión se miden respecto a la presión atmosférica.
El Nivel de Presión Sonora es la medición logarítmica del valor promedio de la presión sonora, respecto a un nivel de referencia. Generalmente ese nivel de referencia es lo que se considera la presión sonora, del sonido mas débil audíble: 20 micro Pascales.
Mientras que la presión sonora se mide en Pascales, el Nivel de Presión Sonora se mide en decíbeles SPL, y se abrevia "dB SPL", por las siglas en inglés de Sound Pressure Level. Cuanto mas decíbeles SPL tenga un sonido, mas fuerte, o con mas volumen es percibido. La exposición prolongada a níveles mayores a 85 dB SPL (aproximadamente) causa pérdida temporal de la audición, aunque también puede provocar daño irreversible. Niveles de presión sonora de alrededor de 120 dB SPL causan daño irreversible al oído, y es mas o menos en este punto donde se encuentra el umbral de dolor. El tímpano tiene que estar tan tenso para no romperse a este nivel de presión sonora, que los oídos duelen.
Por encima de los 194 dB SPL las ondas dejan de ser sonido y se convierten en ondas de choque, como las de las explosiones. Son muy destructivas.
A continuación se presenta una tabla de valores de Presión Sonora en pascales, y Níveles de Presión Sonora en dB SPL, para algunas fuentes de sonido comunes.
lunes, 27 de julio de 2009
Plug Ins Gratuitos de Antress
Antress ha sido uno de los desarrolladores de plug ins VST gratuitos mas prolíficos. Por mucho tiempo no se les encontraba por ningún lado, se hablaba que había desaparecido y no presentaban ningún plug in nuevo. Ahora parecen estar de vuelta.
El nuevo plug in se llama Flash Verb, que es un plug in de reverberación bastante sencillo en cuanto a sus controles. Con la adición de este plug in, el paquete completo llega a la versión 3.96. Es un rack de procesadores de audio gratis!!!
Antress desarrolla plug ins que imitan unidades hardware tanto en su apariencia como en su sonido. En la foto puedes ver (de arriba a abajo) emulaciones de Manley, Tube Tech, API y Empirical Labs, y hay muchos mas. Ecualizadores, Vúmetros, Procesadores de dinámica, procesadores de campo estéreo, etc... todo lo necesario para la producción musical está en el paquete.
Yo aún no los prueba personalmente, pero se de mucha gente que los usa y les encanta. Incluso los editores de la sección Mix Rescue de la revista Sound on Sound los usan.
Puedes descargártelos directamente acá. Pero te recomiendo que visites la página de Antress para que veas todo lo que el paquete comprende, y veas información sobre cada uno.
El nuevo plug in se llama Flash Verb, que es un plug in de reverberación bastante sencillo en cuanto a sus controles. Con la adición de este plug in, el paquete completo llega a la versión 3.96. Es un rack de procesadores de audio gratis!!!
Antress desarrolla plug ins que imitan unidades hardware tanto en su apariencia como en su sonido. En la foto puedes ver (de arriba a abajo) emulaciones de Manley, Tube Tech, API y Empirical Labs, y hay muchos mas. Ecualizadores, Vúmetros, Procesadores de dinámica, procesadores de campo estéreo, etc... todo lo necesario para la producción musical está en el paquete.
Yo aún no los prueba personalmente, pero se de mucha gente que los usa y les encanta. Incluso los editores de la sección Mix Rescue de la revista Sound on Sound los usan.
Puedes descargártelos directamente acá. Pero te recomiendo que visites la página de Antress para que veas todo lo que el paquete comprende, y veas información sobre cada uno.
jueves, 23 de julio de 2009
Nuevo Logic 9 de Apple
Siempre me impresiona el sigilo con el que Apple logra mantener los lanzamientos de nuevas versiones de Logic :-) . No se sabe absolutamente nada hasta el día que ya está a la venta! Y la última actualización al poderoso DAW, Logic 9, ya está a la venta!
Parace ser que está actualización se trata de "un poco mas de todo", además de mejorar muchas funciones ya existentes. Una de las novedades que mas me llamó la atención, es la inclusión de los proyectos originales de 3 diferentes caciones que han sido "hits". Eso significa que puedes abrir la sesión multitrack de Logic, ver en qué consiste cada track, aprender qué procesamiento se uso para cada uno, y las técnicas de mezclas que los productores e ingenieros usaron. Excelente!
La grabación de diferentes tomas para un mismo track también ha sido mejorada. Logic 9 crea automáticamente un "Take Folders" cada vez que se necesiten nuevas tomas, he incluso puedes tener varios "Take Folders" en un mismo track. Esto te permite, por ejemplo, tener varias tomas para el coro, y varias tomas para el verso y agruparlas por separado. También hay muchas nuevas herramientas de "comping" para que compongas tu toma perfecta a partir de todas las almacenadas.
Logic 9 también introduce "Flex Time", las nuevas funciones de audio elástico. Te permite editar tu track de manera muy natural sin necesidad de hacer "slicing". Además, puedes cuantizar audio, o cambiar el timing de audio como si fuera MIDI.
Para los guitarreros Logic incluye dos plug ins nuevos que los llenarán de alegría. Uno de ellos simula amplis, y te permite escoger entre 25 cabezales, 5 EQs, 10 reverberaciones, 25 gabinetes, y 3 micrófonos para crear tu combo de los sueños. El otro es un simulador de efectos de pedal que ofrece 30 modelos diferentes. Imagínate con Logic, tu guitarra preferida, y el nuevo Gio de Apogee!
Mainstage, la aplicación incluída con Logic para tocar en vivo también ha tenido muchas mejoras, y nuevas características.
Es imposible para mi cubrir todo en una entrada, pero si eres usuario de Logic, esta es una actualización que debes tener. Y si estas empezando, y usas Mac, Logic es mejor opción para un paquete "todo en uno". Sus efectos e instrumentos incluídos son de calidad profesional, así que con una Mac, Logic, y una interfaz, tienes todo lo necesario para empezar a producir.
Es una lástima que no esté disponible para PC, es el paquete software que representa la mejor relación calidad(y cantidad de aplicaciones incluídas)/precio del mercado. Checa el nuevo Logic 9!
Parace ser que está actualización se trata de "un poco mas de todo", además de mejorar muchas funciones ya existentes. Una de las novedades que mas me llamó la atención, es la inclusión de los proyectos originales de 3 diferentes caciones que han sido "hits". Eso significa que puedes abrir la sesión multitrack de Logic, ver en qué consiste cada track, aprender qué procesamiento se uso para cada uno, y las técnicas de mezclas que los productores e ingenieros usaron. Excelente!
La grabación de diferentes tomas para un mismo track también ha sido mejorada. Logic 9 crea automáticamente un "Take Folders" cada vez que se necesiten nuevas tomas, he incluso puedes tener varios "Take Folders" en un mismo track. Esto te permite, por ejemplo, tener varias tomas para el coro, y varias tomas para el verso y agruparlas por separado. También hay muchas nuevas herramientas de "comping" para que compongas tu toma perfecta a partir de todas las almacenadas.
Logic 9 también introduce "Flex Time", las nuevas funciones de audio elástico. Te permite editar tu track de manera muy natural sin necesidad de hacer "slicing". Además, puedes cuantizar audio, o cambiar el timing de audio como si fuera MIDI.
Para los guitarreros Logic incluye dos plug ins nuevos que los llenarán de alegría. Uno de ellos simula amplis, y te permite escoger entre 25 cabezales, 5 EQs, 10 reverberaciones, 25 gabinetes, y 3 micrófonos para crear tu combo de los sueños. El otro es un simulador de efectos de pedal que ofrece 30 modelos diferentes. Imagínate con Logic, tu guitarra preferida, y el nuevo Gio de Apogee!
Mainstage, la aplicación incluída con Logic para tocar en vivo también ha tenido muchas mejoras, y nuevas características.
Es imposible para mi cubrir todo en una entrada, pero si eres usuario de Logic, esta es una actualización que debes tener. Y si estas empezando, y usas Mac, Logic es mejor opción para un paquete "todo en uno". Sus efectos e instrumentos incluídos son de calidad profesional, así que con una Mac, Logic, y una interfaz, tienes todo lo necesario para empezar a producir.
Es una lástima que no esté disponible para PC, es el paquete software que representa la mejor relación calidad(y cantidad de aplicaciones incluídas)/precio del mercado. Checa el nuevo Logic 9!
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