ONE: Nueva Interfaz de Apogee

Apogee Electronics, el fabricante de los convertidores A/D/A profesionales mas populares, ha lanzado una nueva interfaz ultraportátil para computadoras Mac: La One.

Está muy bien equipada (para su tamaño) con un pre amplificador de micrófono, una entrada para guitarra o bajo y salida estéreo para audífonos, o monitores de estudio..

La prestación que la hace sobre salir del resto, y que sin duda es muy útil para una interfaz con la portabilidad en mente, es la inclusión de un micrófono de condensador en el cuertpo de la interfaz en sí. De tal forma que si necesitar andar viajando, solo necesitas tu interfaz y estás listo para capturar ideas para canciones, sonidos interesantes, entrevistas, podcasts, etc... excelente. Incluso hay un accesorio para montar la interfaz en un pedestal de micrófono, como observas en la foto.

Solo cuesta $249.00, y aunque definitivamente los convertidores no serán de la misma calidad que los de gama alta, seguramente serán muy buenos, pues la compañía tiene que hacerle justicia a su nombre.

Si necestias una interfaz ultra portátil, y trabajas en Mac, esta parece ser una excelente opción.

Rack A3: Suite gratuita de 6 efectos VST

Agares Media ha lanzado la suite gratuita Rack A3, la cual consta de 6 de efectos VST: Delay, Distorsión, Flanger, Pitch Shifter, Reverb y Chorus. La mayoría de efectos consta de 3 unidades en un solo plug in, así que cada procesador tiene la capacidad de crear efectos muy sutiles o bastante dramáticos.

Anuncion: Nuevo Gadget de Twitter en la Barra Lateral

Por fin pude poner un Feed de mi Twitter acá en el blog!!! jeje, estaba tan fácil que ahora hasta me da pena. Puede visitar este link, allí encontrarás toda la información.

Me había negado a participar de cualquier red social hasta ahora, pero Twitter, que puede parecer tonto cuando uno no ha entendido el concepto, es muy útil, divertido e informativo. Claro que puede también ser una apocalíptica pérdida de tiempo si no se usa adecuadamente.

Yo siempre pensé "Que? tengo que estar poniendo en internet lo que estoy haciendo? cuando voy al baño, cuando me acuestó y como?, a quién puede interesarle?". Hasta que hace poco me enteré que Craig Anderton, el gurú de los medios de la industria del audio, estaba usando Twitter. Si Craig lo usaba entonces debería ser algo bueno, así que empecé a Twittear y encontré varios que valen la pena.

También es una forma de seguirle la pista a los amigos, incluso a los virtuales... Por ejemplo están los twitters de mis compañeros blogueros José y Miguel. El de José es un gran complemento a su blog, y Miguel es muy divertido en Twitter :-) se hecha cada puntada!!!

Para mí el twitter es una especie de "micro blog", donde comento sobre lo que hago o lo que descubro relacionado al audio y a este blog, así como también noticias o sitios de interés. Así que aunque no haya un post nuevo en Frecuencia Fundamental, seguramente encontrarás algo de interés en mi Twitter.

Curiosamente "Twitteo" en español y en inglés. Pensé que quizá eso sería un empedimento para que me siguieran nuestros amigos los "gringos", pero aún así decidí experimentar. Para mi sorpresa la gran mayoría de mis seguidores hablan inglés.

Además, Twitter demuestra ser una gran herramienta para darse a conocer, incluso para un humilde Twittero como yo. Me siguen Twitteros importantes de la industria del audio como lo son AKAI, el fabricante de los famosos MPC, controladores MIDI, samplers y sintetizadores. Dynamic Producer, creadores de la "Producers Conference", donde este año se presentó la nueva aplicación Record de Propellerheads. Jenn Winchester de Mono Cases. Ken de los estudios Blueberry Buddha. Richard Hilton, ingeniero, diseñador de estudio, y tecladista de la banda Chic. Rain Recording, uno de los mas importantes fabricantes de PCs especialmente diseñadas para audio, entre otros...

¿Estoy presumiendo? Tal vez... me lo merezco ¿no? jejeje... El hecho es que Twitter puede ser una gran herramienta para dar a conocer tu grupo, tu emperesa, o tu talento.

Así que si no tienes cuenta, éntrale, que esperas... eso sí, sígue mis actualizaciones :-)

Lecciones para tocar percusión en la guitarra

Si quieres aprender a tocar la guitarra con partes percusivas a la vez, como lo hace el gradioso guitarrisa Dale Campbell en este video, checa su serie de lecciones al respecto: Lección 1, Lección 2, Lección 3. Hay muchas lecciones parecidas en You Tube, pero hasta ahora están son las mejores explicadas, y mas sencillas que he encontrado. Están en inglés, pero con ver el video se entiende el concepto. Espero que te sirvan.

Waldorf Blofeld Con Samples

El Blofeld de Waldorf es un excelente sintetizador. Entre otras cosas, reúne la capacidad de tener síntesis virual analógica, y tabla de onda a la vez. Una novedad que apareció con la versión teclado del sintetizador, y que es opcional para la versión de escritorio, es la opción de hechar mano de 60 MB de memoria interna de samples. Éstos pueden ser usados como osciladores, y por lo tanto pueden ser procesados por todas las otras funciones del motor de síntesis. En este video vemos como samples de bajo acústico y de sitar, son usados junto al secuenciador del instrumento para crear un arreglo que se completa con un loop de batería. No hay secuenciación en el video, solo samples siendo disparados. El Little Phatty solo actúa como controlador para el Blofeld.

Blofeld, Upright Bass and Sitar groove from Monomeat on Vimeo.

Tronbón para el iPhone

¿Sabías que el iPhone tiene capacidades para funcionar similar a un controlador midi de viento? Soplando en el micrófono del dispositivo puedes controlar la amplitud de la nota producida por el instrumento virtual, igual que en un instrumento real.

Para muestra un botón: El Leaf Trombone de Smule...

RedTron: Mellotron virtual gratuito

RedTron de Artifake Labs es un sintetizador gratuito que simula el sonido del que muchos consideran el primer sampler: El Mellotron.

Tiene "bonitas" opciones como la capacidad de tocar dos sonidos a la vez (de 5 disponibles). Además se samplearon los 9 segundos que dura la cinta en el instrumento original, así que puedes esperar un grado muy bueno de similitud con el Mellotron.

Una capacidad que me llama la atención, y que sin duda será muy útil para muchos, es la de poder cargar un Sound Font como sonido de una de las capas, y sonarlo en unísono que alguno de los sonidos de Mellotron. Excelente!

Además cuenta con Reverb, Delay, y simulador de Hiss de cinta analógica.

Retro Recorder: McDSP para el iPhone

Retro Recorder es la nueva aplicación para el iPhone de los profesionales del software de audio McDSP.

Me encanta su interfaz. Puede grabar audio según el fabricante "desde ideas cortas, hasta largas reuniones qeu duran horas".

La gran novedad en este programa es la tecnología ALX que ha desarrollado McDSP. Esta tecnología "mejora la calidad de las grabaciones mas allá de las capacidades de grabadores portátiles que cuestan muchas veces su precio. Incluso sin un micrófono externo, Retro Recorder puede capturar della que otros grabadores no pueden, hasta 32 veces mas nivel de señal..."

Vaya! McDsp se entusiasmó demasiado al escribir eso :-) estoy seguro que lo que ALX hace es usar algunos algoritmos derivados de las aplicaciones profesionales de la compañía para comprimir, limpiar, y limitar la señal. Con esto logra que los sonidos que se pierden en el ruido de fondo se oigan mas claro, pero definitivamente no puede mejorar la capacidad del hardware del iPhone para sonar mejor que un dispositivo portátil dedicado al audio. Prueba de ello es que solo graba señales mono, a 22,050Hz. Eso implica que los WAV que grabe solo pueden samplear hasta los 11,025 Hz, lo que es bastante limitado para los estándares actuales.

Bueno, no es una aplicación para audio profesional así que está muy bien. Además solo cuesta $2.99. Si tienes un iPhone, vale la pena convertirlo en un grabador que siempre cargues...para cuando la inspiración golpee.

Sistema Operativo 2.0 para el AKAI MPC 5000

Está disponible el sistema operativo 2.0 para el Akai MPC5000, la unidad mas completa de la serie MPC. La descarga es gratuita.

Además de mejoras en las funciones existentes, esta actualización agrega muchas nuevas funciones entre las que destaca la capacidad de importar librerías en formato S1000, S3000, S5000/S6000, Z4/Z8, y MPC4000. Estos fueron los aparatos que reinaron el mundo del sampling antes que los samplers virtuales tomaran el control, por lo tanto hay muchas personas que tienen bastantes librerías en estos formatos, y aunque casi todos los samplers virtuales leen estas librerías, casi ninguna unidad hardware lo hacía hasta ahora. Para aquellos que aún usen alguno de estos samplers antiguos con tal de no perder sus sonidos, ahora tienen una opción para actualizarse.

Esto también significa que ahora podrás cargar una gran variedad de sonidos en em MPC5000, y no solo percusión. De hecho una librería de sonidos de pianos es incluída.

Si tienes un MPC5000, esta actualización la convierte en una verdadera workstation del sampling, descárgatela.

Anuncio: Ediciones al tutorial sobre compresores

Se hicieron algunas ediciones en el tutorial sobre compresión titulado "Tutorial: Método Para Utilizar Un Compresor De Audio".

Agregué un parráfo a la sección "Consideraciones", he hice algunas ediciones aquí y allá para hacer mas claro el mensaje.

Espero te sea util... Saludos!

Tutorial: Método Para Usar Un Compresor De Audio

El 1176 de Universal Audio es uno
de los compresores de audio mas
cotizados.


Tengo que admitirlo... soy malo usando compresores. Casi siempre llego al sonido que deseo, pero a través de un montón de prueba y error. Además solo uso compresores con carácter, porque es mas fácil escuchar lo que hacen que con uno transparente.

Cuando empecé en esto del audio no sabía usar EQs tampoco, pero encontré un excelente método para encontrar la frecuencia que deseaba eliminar o realzar: Configuras una banda muy angosta, le subes unos 8 o 10 dB y empiezas a "barrer" las frecuencia (ir de arriba a abajo en el rango de frecuencias), hasta que encuentres la frecuencia buscada, que por supuesto resalta bastante cuando pasas por ella. Luego le bajas a la ganancia, y ajustas el ancho de banda y el corte o realce al gusto.

Siempre busqué un método igual de sencillo y efectivo para usar compresores, y algunos ya habían intentado explicármelo, pero hasta hace poco que encontré este video lo entendí:



Lamentablemente está en inglés, pero te describo el proceso para que no te pierdas. . .

Es básicamente lo mismo que para los EQ: Configuras los distintos parámetros de tal forma que el efecto del proceso (Compresión, EQ, De-Essing, etc) sea exagerado, y luego regresas a configuraciones mas moderadas y útiles.

Aunque voy a detallar el método paso a paso, como siempre lo mas importante es escuchar. Es imposible sacar el máximo de estas herramientas viendo los medidores y los controles físicos en ellos. Tener un método es bueno para empezar a entender los compresores y los efectos de cada control, pero no es una llave mágica para el uso de compresores.

Al detallar el método, cuando me refiera a "pista", me refiero a una grabación que bien puede ser un solo instrumento (como una guitarra o un bajo), un grupo de tracks como una batería, o música completa. En fin, cualquier material de audio. Bien, Empecemos:

1. Configuras tu compresor así: Threshold al máximo: en esta posición no habrá compresión, pues una señal distorsionaría terriblemente para sobrepasar el umbral máximo de un compresor. Ratio al máximo: para que el efecto de la compresión, cuando ocurra, sea mas dramático y mas fácil de escuchar. Attack y Release: Configurados con los tiempos mas rápidos disponibles (generalmente esto sería con una posición totalmente a la izquierda para potenciómetros).
2. Haces sonar el material que vas a comprimir. Empiezas a bajar el Threshold hasta que veas el medidor de reducción de ganancia que sube y baja, indicando cómo la señal supera el nivel del Threshold (cuando hay reducción de ganancia), y luego se reduce por debajo de éste. El nivel idóneo dependerá de qué quieres hacer con el compresor. Si sólo quieres atrapar uno picos demasiado altos por allí, pues entonces deber configurar el Threshold para que la reducción de ganancia se dispare sólo en esos picos. En cambio, si quieres que el compresor esté funcionando siempre, modificando la dinámica de la pista, pues debes configurarlo de tal forma que el medidor indique siempre reducción de ganancia. Tener un objetivo claro de para qué usas el compresor, escuchar detenidamente el efecto, y experimentar con distintos valores, te llevarán a dar con el ajuste ideal.
3. Ahora ajusta el control Attack (ataque). Lo subes poco a poco haciendo mas lento el ataque. Recuerda que en este momento el Ratio todavía está en lo máximo, así que habrá toneladas de compresión. Lo que buscas acá es escuchar la "pegada" que imparte la compresión. Por ejemplo si tu propósito para usar el compresor es tener un sonido mas suave, pero ahora te suena mas bien percusivo y "puntiagudo", entonces tendrás que tener un ataque mas o menos rápido de modo que el compresor capture y redondee esos picos. En cambio si lo que quieres es darle mas impacto y pegada a tu material, necesitas un ataque mas bien moderado, para que el compresor deje pasar los picos sin aplastarlos tanto. Barre todos los tiempos de ataque disponibles buscando donde se logra el efecto que deseas. Hay que tener especialmente cuidado con las pistas que contengan frecuencias muy graves. Un ataque muy rápido puede llegar a distorsionar por completo la forma de onda de las frecuencias mas bajas.
4. Ahora configuras el Release (relajación). Es el tiempo que le toma al compresor dejar de comprimir la señal después de que ésta haya descendido debajo del nivel del Threshold. Una vez más, barre los tiempos escuchando el efecto en las distintas posiciones. Un Realease muy rápido y la señal "bombeará", haciendo el efecto del compresor bastante obvio y dramático. Claro que esto puede ser usado como un efecto si así se desea. Algo que a mi me gusta hacer a veces, es configurar un Release rápido para la caja de la batería. Junto con un ataque moderado, y un Ratio mas o menos severo, se puede lograr un sonido bastante impactante cuando el compresor deja de hacer su trabajo justo después del transitorio inicial del tambor. Por otro lado un realease muy lento haría que el compresor esté siempre funcionando sobre la señal, el medidor de reducción de ganancia se vería siempre marcando gran reducción, y el rango dinámico del material quedaría aplastado.
5. Recuerda que hasta ahora el Ratio, que es básicamente la cantidad de compresión aplicada, ha estado al máximo. No es común usar un compresor con el Ratio al máximo, y un Ratio de 10:1 en adelante ya se considera Limitación. En este método, el Ratio se usa al máximo hasta el último momento para que los ajustes de los otros parámetros sean mas obvios, y el oído se acostumbre al efecto de cada control. Lentamente empieza a reducir el Ratio, a la vez que escuchas cómo el nivel de compresión se reduce. No hay reglas rígidas, pero en internet puedes encontrar varias tablas con ajustes sugeridos para diferentes instrumentos. Además el ajuste es bastante subjetivo, y tanto puede ser que desees algo bastante modesto (unos 2 o 3 dB de reducción) para controlar la dinámica, o algo mas dramático para esculpir el sonido (unos 4 o 6 dB de reducción de ganancia).
6. Cuando encuentres un Ratio que produzca el sonido que estás buscando, vale la pena empezar a experimentar con el resto de parámetros. Mueve un poco el Attack a ver si te gusta mas así. Mueve el Release a ver si el efecto que deseas se hace mas pronunciado o desaparece. Puede que el compresor no esté capturando algunos picos que deseas comprimir, es hora de volver a ajustar el Threshold.

Consideraciones:

Recuerda que, como ya dijimos, este no es un método con pasos rígidos, que al seguirlo rigurosamente conseguirás el sonido del millón de dólares. Yo diría que más que un método para aprender a comprimir audio, es un método para aprender a usar un compresor de audio. La diferencia es que quizá no sea lo más práctico para conseguir el sonido ideal para cualquier material, pero si es muy útil para educar el oído a escuchar los efectos de los diferentes parámetros de un compresor.

La experimentación, la prácica y (si, adivinaste...) escuchar con mucha atención, es lo que a fin de cuentas te llevará a obtener el resultado buscado. No puedo enfatizarte lo suficiente el hecho de que el audio es, en su misma naturaleza, sonido... ¿Qué pintor pintará sus cuadros con los ojos cerrados? Pues sería lo mismo intentar mezclar, ecualizar, o comprimir audio, sin escuchar. Sin escuchar, obtendrás el equivalente sonoro al cubismo de Picasso...

Otro aspecto que hay que tener presente durante el proceso, y por lo que también es muy necesario escuchar con atención, es el hecho de que el Ratio está en lo máximo hasta el último momento. Como ya hemos dicho, esto es para hacer mas obvio el efecto del compresor y de sus otros controles, pero el sonido resultante es poco natural. La compresión es un efecto difícil de escuchar para oídos no entrenados, y este método te brinda un sistema para entrenar tus oídos. Así que cuando estés ajustando el Threshold, el Attack y el Release, no te quedes batallando por lograr el sonido deseado sin haber ajustado el Ratio a un nivel mas usable. Por ejemplo, podrías tener un ajuste en el Release que sea el ideal para una compresión transparente, pero con el Ratio al máximo el sonido aún bombeará un poco.

Las Herramientas:

Te recomiendo que si usas un plug-in, usa uno con controles estilo hardware, sin gráficas adicionales (Claro que el medidor de reducción de ganancia es bienvenido) para que no te distraigan. Por ejemplo, hay algunos plug ins que te permiten configurar el Threshold sobre el medidor de nivel de la pista. Deja esto para cuando tengas mas experiencia, por ahora concentrate en escuchar mientras ajustas los parámetros. Dos plug ins gratuitos que te recomiendo ampliamente por su sonido, e interfaz de usuario, es el Rough Rider de Audio Damage, y el Classic Compresor de Kjaerhus Audio. En especial me gusta el Rough Rider por su sonido, sus gráficas grandes, y su excelente medidor que puedes usar para visualizar el nivel de salida, o el nivel de reducción de ganancia.

Además, añádele paciencia. La compresión de audio es difícil de dominar, pero si practicas, serás capaz de esculpir tu sonido para darle ese toqué profesional.

Anuncio: Nuevo Sitio Amigo

Para comentarles que Frecuencia Fundamental cuenta con un nuevo sitio amigo: Electrónica Tecnofase.

Es un excelente blog de electrónica, con muchos circuitos y tutoriales. Excelente paral los que estamos intentando aprender algo. Incluso hay algunos circuitos directamente relacionados con el audio, que podrían resultar muy útiles. Ejemplo es este medidor de potencia de amplificadores.

Ya lo sabes, otro recurso muy valioso para los amantes de la electrónica y el "hágalo usted mismo".

Glosario: Audio Units

Audio Units es el formato de plug in desarrollado por Apple para el driver Core Audio del Mac OSX.

Cualquier desarrollador de aplicaciones para Mac OSx puede adoptar este formato, pero no es requerido. Por ejemplo muchas aplicaciones para Mac OSX usan VST. Audio Units es el formato de plug in utilizado por Logic.

El formato Audio Units permite comunicación de 2 vías con los plug ins. Por ejemplo, un instrumento virtual puede recibir información MIDI del secuenciador, y retornar audio. O env iar audio a un plug in para ser procesado, y luego retornar la salida del plug in al anfitrión. Esto permite el proceso en tiempo real del audio, indispensable para usarlo en la etapa de mezcla.

Glosario: Core Audio

Core Audio (Audio Central en español) es el sub-sistema de audio del sistema MAC OSX de Apple. Resulta ser el driver de audio nativo para Mac OSX.

Core Audio maneja todas las comunicaciones de audio para el sistema operativo en sí, y para cualquier aplicación escrita para hacer uso de él.

Core Audio soporta audio multi canal, básicamente tantos canales como salidas y entradas físicas (que pueden ser en varias interfaces de audio) se tengan disponibles.

Core Audio también soporta audio de hasta 192 Khz, y hasta 32 bit, así que está listo para el futuro.

Craig Anderton responde a Kaux: ¿Es Ableton Live para mí?

Ableton Live es un programa bastante innovador. Revolucionó el mundo de las Estaciones Digitales de Trabajo DAW, y le brindó una forma nueva de trabajar a muchos músicos alrededor del mundo, tanto en el estudio como en vivo. Sin embargo Ableton no es un programa muy intuitivo. No que sea difícil de usar, sino que hace cosas que otros DAW no hacen, y por lo tanto uno no tiene el paradigma en la mente.

He visto mucha confusión respecto a Live ( incluso en mí mismo ), y es que es un programa tan amplio y flexible, que no es fácil "captarlo" en una sola sentada. Por eso me di a la tarea de investigar la opinión de expertos, y postearla acá con la meta de informar a aquellos que pueden estar considerando hacer de Live su DAW principal.

La pregunta que le he hecho a 2 (hasta ahora, espero sean mas...) profesionales del mundo del audio es ¿Es Ableton Live para mí?. La primera entrega fue la respuesta de Gus Lozada, Gerente de Soporte Técnico y Especialista de AVID. Puedes encontrarla acá.

Le hice la misma pregunta a Craig Anderton, en este "Pro Review" de Ableton Live 8. Craig es una personalidad en el mundo del audio, escribiendo pruebas de equipo y tutoriales para las revistas mas importantes tales como EQ y Sound on Sound, entre muchas otras. También ha escritos muchos libros y manuales relacionados al audio, sintetizadores, secuenciadores, equipo para guitarristas, y mucho mas. También es moderador de varios foros en Harmony Central, incluyendo el propio. Es, en resumen, una de las personas mas calificadas para responder la pregunta. He aquí su respuesta, que amablemente me dio permiso de traducir y publicar:

¿Es Ableton Live Para mí?

Publicado por Craig Anderton como respuesta a

una pregutna realizada en este foro. Publicado y
traducido con permiso del autor.

Craig Anderton es un productor, guitarrista, ingeniero,
y autor. Escribe para las publicaciones mas importantes
del mundo del audio y modera su propio foro en
Harmony Central.

Como he dicho previamente, considero Live como un instrumento musical disfrazado como un DAW (Estación de trabajo de audio digital, o secuenciador). Sin embargo, esa es mi opinión personal basada en cómo yo lo uso. La verdad es que hay muchas, muchas formas de usar Live. Siempre me impresiona cuando miro sobre el hombro de alguien para ver cómo usa Live: Uno casi podría llegar a pensar que es un programa diferente.

Vi un tipo que usaba Live y nunca usaba más de un “Scene” (Escena. En Live, loops de diferentes tracks, agrupados). El arrastraba y soltaba loops hacia y desde una sola “Scene” para crear mixes de DJ. Por otro lado yo uso montones de “Scenes” para hacer prácticamente lo mismo. Algunos usan Live como otras personas usarían Traktor, otros lo usan como un DAW tradicional, trabajando casi siempre en el modo lineal “Arrangement”.

Algunos usuarios de computadoras Mac, empezaron a usar Live como un “Acid para Mac”, en los días antes que apareciera Boot Camp. Otros empezaron a usar Live en conjunto con otro DAW, como por ejemplo Pro Tools, pero al transcurrir el tiempo Live pasó a ser su DAW principal.

Live ha llegado al punto en que puede ser usado casi de cualquier forma, y para casi cualquier cosa que uno quiera. Yo toqué con otro tipo en Europa que usaba Live para correr en vivo plug ins de efectos durante el show. El nunca grababa nada en Live o ni siquiera usaba loops. Y también vi a George Lewis, usando Live con dos laptops, haciendo más que nada música estilo Musique Concrete.

Respecto a integrar Live con otros DAWs, tales como Pro tolos, Sonar, DP, etc, todos éstos no tienen nada parecido al “Session View” (donde puedes mezclar y manipular loops en tiempo real), pero tienen otros atributos (No intentes editar partituras en Live – No lo hace). Live tiene esta inusual Habilidad de usar Rewire tanto en modo “maestro” como en modo “esclavo”. Así que no hay nada que le impida a uno, digamos, usar “Session View” en Live para componer una canción, y luego usar Rewire, ya sea para correr Live junto con otro DAW, o para grabar las pistas al otro DAW para luego mezclarlas.

Un último pensamiento: Solo porque Live sobresale haciendo ciertas cosas, eso no quiere decir, que no sea bueno para hacer otras cosas. Es como un auto deportivo: Si, puedes tomar curvas muy pronunciadas a 120 Km/h, pero también lo puedes usar para ir al súper mercado, y te sirve para transportar tus víveres al igual de bien que el sedan diseñado para ir al súper mercado, y no para tomar curvas a gran velocidad.

Además, solo porque Live sea un programa brillante, no significa que otros programas no sean brillantes a sus propias maneras. Esa es una razón por la que continúo usando diferentes programas para diferentes aplicaciones.

Excelentes Aplicaciones Para el iPhone de Line6 y Novation

Primero mi preferida: Automap de Novation para el iPhone. El famoso protocolo para controlar DAWs y plug ins de novation, ahora disponible para el iPhoney iPod touch. Esto significa que instalando la aplicación serás capaz de controlar todos los parámetros en tu secuenciador y plug ins, utilizando la pantalla táctil del iPhone o iPod Touch.

Teener Automap en el iPhone es genial por muchos motivos: Puedes usarlo en conjunto con cualquiera de los controladores hardware de novation, tienes la posibilidad de controlar el DAW sin cables (por ejemplo controlar el transporte o el armado de tracks desde lejos), y el "mapeo" de los controles es automático, además de personalizable. Sin duda se venderá como pan caliente.

Las otras aplicaciones, pero que aún están en desarrollo por Line6 y otras compañías, son MIDI Mobilizer y RIG REMOTE, las cuales permitirán modificar desde un iPhone los parámetros de guitarras Variax y amplificadores VETA II, haciendo posible encontrar el sonido perfecto en cualquier lugar y en cualquier momento.

Sin duda el iPhone se ha convertido en una de las herramientas tecnológicas mas versátiles...

Nuevo Yamaha S90sc y S70sx

Este es un nuevo producto que se esperaba desde que Yamaha actualizó los Motif de "ES" a "XS". Estos son los nuevos sintetizadores Yamaha S90xs y S70xs.

La serie "S" de Yamaha usa el mismo motor de síntesis (sonidos) que la serie Motif, pero sus prestaciones son mas enfocadas a interpretación en vivo, y como controlador en estudio, mientras que para la serie Motif se reservan las prestaciones estilo "workstation".

El S90xs cuenta con 88 teclas, y el S70sx cuenta con 76. Ambos modelos incluyen todos los patches, performance (combinaciones de sonidos), arpegios (que incluye las megavoices) y efectos de circuitos virtuales de la serie motif XS. Además Yamaha añadió a la serie "S", 142 MB dedicadas exclusivamente a samples de pianos, para un total de 456 MB de samples de instrumentos variados. Entre esos nuevos samples de piano están los grabados recientemente de un piano de concierto: El famoso Yamaha S6
.
Los controles físicos han sido también re-diseñados y se ven expectaculares. Posee capacidad USB para integración con DAWs, y destaca la capacidad de grabar y reproducir audio, usando tarjetas Flash o memorias USB.

Como verás, básicamente son un S90es con más de todo, mejores sonidos, y nuevas funciones. Está ideal para teclado controlador, banco de sonidos para ser secuenciados externamente, o como sintetizador general para tocar en vivo.

El Akai APC40 Es Todo Un Éxito

WOW! A solo semanas de su lanzamiento el APC40 de Akai es todo un éxito, cientos de videos purulan por you tube, recibe las mejores calificaciones de quienes lo prueban, e incluso, ya aparecen modelos personalizaciones al estilo "Hágalo usted mismo", como este APC40 blanco. Además, ya está agotado!!!

Y es que es un controlador MIDI muy bien pensado, que en vez de intentar ser "todo para todos", está destinado a hacer una cosa y a hacerla muy bien: Ser una interfaz física de Ableton Live. Al ver los videos te das cuenta que el apc 40 no presenta dificultad alguna ni para configuración, ni para su uso. Solo en el Reino Unido los pedidos pendientes de entrega sobre pasan las 1,000 unidades, y Akai comenta que 2 de cada 5 llamadas a su oficina en dicho territorio, son relacionadas con el APC40.

Vaya que se antoja uno (y Live por supuesto) ... Vaya! el APC40 se merece su propia etiquta empezando en esta.

Te dejo con un excelente video, donde un feliz nuevo propietario del APC40 lo saca de la caja por primera vez, y lo conecta. Puedes ver cómo la configuración es practicamente automática, y se aprecia también lo sencillo que es entender su uso de primera mano:

Akai APC40 - Opening the box De Tom Cosm en Vimeo.

Anuncio: Nuevas Editoriales Mensuales

Hola amigos...

Estaba pensando en escribir sobre algunos temas, que realmente no caben en ninguna de las secciones con las que ya cuenta Frecuencia Fundamental. Así que se me ocurrió empezar con una editorial mensual, en la que pueda tratar temas de un contenido un poco mas libre, pero igual de interesantes y útiles. Justo con esta nueva sección, surge la etiqueta de "Editorial" para las entradas de esta sección.

Justo antes de este anuncio, encontrarás la entrada de "La palabra ´profesional´y el mundo del audio", que es antigua, pero decidí hacerla la editorial del mes de Junio del 2009.

Así que está atento a las novedades que esta nueva sección de Frecuencia Fundamental traerá.

Editorial 06/09: La Palabra "Profesional" y El Mundo del Audio

En instituciones como Full Sail puedes adquirir todos los conocimientos
técnicos que necesitas... ¿Pero es eso todo lo necesario para se un profesional del audio?

La palabra "profesional" puede significar muchas cosas en muchos diferentes contextos: Al referirse a alguien que sabe hacer bien su trabajo, o cuando simplemente decimos que alguien se dedica a un oficio, aunque no necesariamente estamos diciendo que es bueno en lo que hace, decimos que tiene "la profesión de...".

Igualmente puede usarse para nombrar el DAW estándar de la industria como los es PRO TOOLS, o una planchadora de pelo como la True Ceramic Pro. Me pregunto ¿que tiene de profesional una planchadora de pelo?

En el mundo del audio la palabra "profesional" está un poco sobre usada, a veces llevando a la desinformación. Por ejemplo, me he topado con muchas personas que piensan que Pro Tools es la única herramienta para audio profesional que existe, y que todos los demás programas son inferiores. Al indagar sobre la razones para esta creencia, parece ser que lo único que cuenta es la popularidad de esta herramienta, y por supuesto, que tiene la palabra "pro" en su nombre.

En cuanto a productos se refiere, casi todos lo que se vende hoy en día para grabación casera incluye la palabra "profesional" de una u otra forma en el empaque o en el nombre. Y ciertamente vivimos gloriosos tiempos, donde como dijo Trevor Horn en su entrevista para RecordProduction.com: "Hoy en día es casi un logro hacer que una pieza de equipo suene mal". Sin embargo aún siguen existiendo equipos de gama alta, y la diferencia entre estos y los mas asequibles aún es muy real. Así que note dejes sorprender por la mixer de $100 que te pretende ofrecer prestaciones boutique solo porque dice "profesional" en su empaque. Irónicamente las marcas de gama alta son las que menos usan esta palabra.

"Hoy en día es casi un logro hacer que
una pieza de equipo suene mal"
El productor Trevor Horn, para RecordProduction.com

En cuanto a las personas en el mundo del audio, "profesional" puede también significar muchas cosas. Alguien una vez dijo en un foro de audio en Internet: "Si te pagan por lo que haces, entonces esa es tu profesión, si no te pagan, no es tu profesión, y por lo tanto no eres profesional de la rama, por bueno que seas". Bueno, ese es un sentido bastante literal de la palabra, pero en la gran mayoría de casos el sentido en el que se usa, es uno mucho mas amplio.

Yo estudié unos cuantos meses en la academia de música "Poliritmos", de acá de Guatemala. Su dueño, Byron Campo quien es uno de los mejores bateristas del país dio la clase inaugural. El punto central de aquella clase era "¿Qué se necesita para ser un músico profesional?". Para ilustrar todo lo necesario según su opinión, Byron nos repartió unas hojas donde había un circulo dividido en dos. En una mitad habían escritos varios aspectos tales como la técnica, capacidad para tocar varios estilos, groove, etc. Estos componían el 50% de lo necesario para ser un músico profesional. El otro 50% estaba compuesto por un solo aspecto: ACTITUD.

Byron explicaba que de nada sirve tener toda la habilidad musical del mundo si no tienes la actitud correcta para con los demás y para contigo mismo. Sin la actitud correcta, podrás sonar estupendo en tu dormitorio, pero difícilmente serás aceptado por otros.

Desde el punto de vista de la producción y grabación, la actitud es igual de importante, primero para con los demás. Cuantas veces no has visto a alguien que por sus conocimientos, quiere que todo se haga como el dice, pero aún, alguien que no sabe pero que intenta apantallar con una actitud altanera.

La mejor manera de lograr una buena grabación es lograr que la fuente del sonido suene bien antes de hacer cualquier otra cosa. Entonar la guitarra, ajustar los tambores, poner el micro a la altura correcta para el cantante, etc. Para esa parte te sirven los conocimientos técnicos. Pero el instrumento es solo la mitad de la fuente sonora, la otra mitad, y en mi opinión siempre la mas importante, es el intérprete (un buen músico puede hacer sonar decente un instrumento mediocre, un buen cantante sonará entonado en un micro de mediana calidad). Se necesita que el interprete esté cómodo, que no se sienta presionado, y que tenga todo lo que necesita para lograr su mejor desempeño, y en consecuencia, la mejor grabación. Descifrar todos estos aspectos solo es posible con una actitud abierta y positiva hacia los demás.

Una de las cualidades mas indispensables para un profesional del audio es también la humildad. Siempre hay algo nuevo qué aprender, y de todos se puede aprender. Si no estas dispuesto a tener esta actitud, estarás condenado a resagarte tanto en lo técnico, como en lo creativo. Hablando de lo creativo, un filósofo dijo que el hombre está en su punto creativo mas alto cuando el desafío que se le presenta empuja el límite de sus habilidades. Cuando el desafío que tienes, requiere un poco mas que las habilidades que ya posees, necesitas aprender. Ese tanto mas de sabiduría que necesitas, puede venir de los lugares menos esperados, y volvemos al punto inicial de este párrafo. ¿Ves como todo se relaciona?

Además si quieres componer la obra maestra que te inmortalice, no lo lograrás apilando un montón de loops. Para lograr el punto mas alto de tu creatividad necesitas desafiar tus habilidades. Dos formas muy efectivas de hacerlo son:

1. Implantate ciertas limitaciones a ti mismo. Pon un número tope de tracks o plug ins que vas a usar, pon un límite al número de instrumentos, graba tus sintes a audio y no a midi para quitarte la tentación de hacer una toma "para mientras" sabiendo que después puedes editarlo.
2. Crea tus composiciones fuera de tu zona de confort. Por ejemplo, usa métricas a las que no estas acostumbrado, 3/4 y 6/8 son las que te recomiendo para empezar a experimentar.

Claro que el profesional del audio también necesita un montón de conocimientos técnicos, así que no le temas a los números, ni a la física, y estudia un poco el lado técnico de la grabación, no es que necesites un doctorado en astrofísica para entender los fundamentos del audio. Igual que con un músico, alguien con conocimientos sólidos de audio podrá aprovechar al máximo los equipos con los que cuente, y lograr así un mejor sonido. Sienta a un principiante enfrente de una SSL y sería un milagro el solo hecho de lograr cablearla correctamente.

Resumiendo podríamos decir que el profesional del audio, en el sentido mas amplio de el término, necesita conocimientos técnicos sólidos, una actitud correcta con valores éticos, y estar siempre empujando sus límites para lograr que su creatividad funcione al máximo. Tomando en cuenta estos puntos podrás lograr grabaciones con un sonido mas profesional, que después de todo, es lo que los involucrados en el mundo del audio deseamos, y lo que satisface nuestra naturaleza artística, ganemos o no ganemos dinero mientras lo hacemos.

Glosario: Cross Talk (Diafonía)

Las especificaciones de los dispositivos de audio profesional vienen dadas en inglés 99.99% de las veces, por eso no me gusta tanto traducir términos como éste. Sin embargo es bueno saber la palabra en español para Cross Talk: Diafonía.

Cross Talk o diafonía, en sistemas multi pista, es la "fuga" de señal de un canal a otro. Las micers, grabadores a cinta, y otros dispositivos son susceptibles a este problema. Por ejemplo en una mixer, podrías tener un poco del sonido del canal 1 (llamado "sonido perturbador"), en el canal 2 (llamado "sonido perturbado").

La diafonía no es problema en la mayoría de equipo moderno, pero si en equipo mas antiguo. Cuanto mas bajo sea el nivel de diafonía o Cross Talk, mejor es la separación entre canales de un equipo.

Si uno estuviera comprando una mixer, y uno estuviera decidiendo entre dos modelos, una forma de juzgar la calidad del circuito es ver las figuras de CrossTalk, Distorisión Harmónica Total (THD), y otras. Aunque siempre son los oídos los jueces finales :)

Glosario: Síntesis Aditiva

Alchemy es uno de los pocos sintetizadores modernos que usan la técnica de la
síntesis aditiva (además de otras). Aunque esta técnica de síntesis es mas difícil y
menos controlable que la mas popular síntesis sustractiva, la gente de Camel Audio ha hecho
un buen trabajo en mantener todas las opciones de Alchemy muy musicales.

Es el proceso de construir un sonido complejo usando una serie de tonos puros, es decir ondas sinusoidales.

Cualquier sonido puede ser "descompuesto" en ondas sinusoidales que lo componen. La frecuencia fundamental es la mas grave de todas ellas. Aquellas que son múltiplos enteros de la frecuencia fundamental se llaman harmónicos, y las que son múltiplos no enteros, parciales.

La síntesis aditiva busca crear sonidos complejos a través de sumar o mezclar una serie de ondas sinusoidales. Éstas constituirán los mencionados componentes del sonido. Cada onda sinusoidal usualmente cuenta con su propia envolvente de amplitud.

La mayoría de sintetizadores hoy en día son de síntesis sustractiva. Aunque algunos sintetizadores modernos han usado la síntesis aditiva, otras técnicas como la síntesis por modulación de frecuencia FM(como en el DX7), o el modelado físico, han demostrado ser mas fáciles de desarrollar, y además son muy capaces de producir una gran variedad de sonidos.

Autogun: Sinte gratuito con 4,294,967,296 sonidos

Así es, Image Line (los creadores de Fruity Loops) ha lanzado este sintetizador gratuito con 4,294,967,296 presets :D El sintetizador inicia en un preset diferente cada vez que lo abres, y está basado en el motor de síntesis del Ogun, un sinte comercial de la misma empresa.

Autogun está diseñado para brindarte sonidos de caracter metálico usando síntesis aditiva. Puedes escuchar varios demos en el sitio. Verás que los sonidos van desde muy agresivos, hasta muy suaves y con cierta calidez.

Al contrario de Ogun, los sonidos en AutoGun no son editables, pero con tal cantidad de presets creo que no tendrás problema en encontrar algo que te guste.

Es gratuito, y por ahora solo está disponible para Windows. Puedes descargarlo acá.

P.D. Por si te preguntabas que número es 4,294,967,296la respuesta es: Cuatro billonesdos cientos noventa y cuatro millones nueve cientos sesenta y siete mil dos cientos noventa y seis. :-)

Mono Cases: El Ultimo Grito en Estuches y Gig Bags

Aunque estrictamente hablando son "gig bags", la gente de Mono llama a sus creaciones Estuches Híbridos (Hybrid Cases). En su sitio no explican mucho el por qué, pero queda claro que no son "gig bags" comunes. Son muy estilizados, colores sobrios, y estilos muy modernos. Los hay para guitarras acústicas y eléctricas, bajos, baquetas de baterías, y unas bolsas especiales para productor y otra para DJ.

Tienen muchos detalles excelentes: Varias bolsas, placas de ABS donde mas se necesita protección, y son resistentes al agua. Lo que me encanta de los estuches para guitarra y bajo, es ese colchón que puedes ver en la foto que queda debajo del cuello de la guitarra. De esa forma cuando la guitarra o bajo reposa plana en el piso, la presión no recae sobre la cabeza. Bien pensado...

Los estuches duros ofrecen mucha protección, pero no son nada portátiles, estos cases son lo mejor de ambos mundos...

Glosario: AAC - Advanced Audio Coding

También conocido como MPEG-2, el AAC es un algoritmo de compresión de audio que es la continuación al MP3, pero usa mejores métodos de filtros, dithering, y mayor resolución de cuantización, con lo cual logra producir mejor calidad de audio a tazas de bits mas pequeñas (archivos que ocupan menos espacio).

AAC está diseñado para ser usado en medio sde difusión digital, así como para formatos multi-canal como el sorround 5.0. AAC podría llegar a ser el formato del futuro para aplicaciones multimedia.

Nota de Kaux:

AAC es el formato nativo de iTunes y los iPod, aunque como todos sabemos, también utilizan otros formatos. Si tienes un iPod o cualquier otro dispositivo capaz de reproducir AAC, te recomiendo que uses este formato para ripear tu música. A mi gusto suena mucho mejor que el MP3 a tazas de bits de 192 Kbps e inferiores. Puedes usar incluso 128 Kbps, y aún tendrás buenos resultados, y como los archivos serán mas pequeños, podrías grabar mas canciones en tu reproductor. Una de las desventajas es que no todos los reproductores hardware o software reproducen AAC, así que si la compatibilidad te interesa quédate con MP3.

Glosario: Cuantización y PPQN

En cuanto a MIDI

Respecto a MIDI, la cuantización se refiere a la resolución de un secuenciador (software o hardware), y se mide en "Pulsos Por Cuarto de Nota" o PPQN por sus siglas en inglés (Pulses Per Quater Note). Es decir cuantas sub-divisiones de una nota negra (un tiempo) el secuenciador reconoce. Esto es necesario debido a que un interprete humano no tocará exactamente todas las motas en el momento preciso, así que se requiere de más resolución que las sub-divisiones de notas (blanca, negra, corchea, etc) en sí.

Por ejemplo un secuenciador de 480 PPQN tiene mucho mas resolución que uno a 96 PPQN, y por lo tanto representará mejor la interpretación original. Por supuesto un secuenciador por pasos o "drum machine" no necesita de tanta resolución, pues se espera que el resultado sea mas "preciso" y no una reproducción de una interpretación humana.

También, en cuanto a notas MIDI, cuantizar significa mover las notas mas cerca de una resolución específica de notas (blancas, negras, corcheas, etc). Se usa para corregir el "timing" del interprete, pues la grabación original se puede encontrar fuera de tiempo. El objeto de esta operación de cuantización es hacer clara la interpretación, y no hacerla robóticamente precisa, pues esto suena poco natural. La mayoría de secuenciadores, junto con la opción de cuantizar, tienen un parámetro de qué tan rígido se desea ser en la cuantización. Permitir que la interpretación tenga pequeños "errores" (mas bien variaciones) de timing, mantiene el sonido natural y humano.

Respecto a Sampling y Otros Procesos Digitales

En otros términos, como en el sampleo y la conversión A/D/A, la cuantización se refiere a la división de un evento continuo (como una señal analógica), en una serie de pasos discretos.

En audio digital, la señal analógica es sampleada o muestreada un determinado número de veces por segundo (frecuencia de muestreo), con cada una de esas muestras constituidas por un monto conocido de información (cierto número de bits).

También se usa el término para describir cuando un proceso digital no iguala la resolución de un proceso analógico. Por ejemplo el filtro de un sintetizador analógico es completamente continuo, con infinito número de variaciones entre su valor mínimo y su valor máximo. Sin embargo algunos sintetizadores digitales muestran cierta cuantización en el sonido de su filtro, es decir, se distinguen los pequeños saltos entre los diferentes valores al barrer las frecuencias.

Pregunta y Respuesta: ¿Qué es programar un sinte "de cero"?

Un patch o sonido de sintetizador
puede ser algo muy complejo, pero
todo inicia con una forma de onda.



El Adri me pregutna:

¿Qué es programar un sintetizador "desde cero"?

El estado "cero" o "inicializado" de un sintetizador no es necesariamente la ausencia de sonido cuando presionas una tecla. Puedes tener uno o varios osciladores sonando, pero si las envolventes, filtros y moduladores no le están haciendo nada a la forma de onda, entonces el sintetizador está inicializado, como quien dice, está para empear "de cero".

Muy pocos sintetizadores digitales, o software traen estados inicializados, y todas sus memorias vienen llenas con sonidos. Si buscas en internet seguro encontrarás en algún lado un patch inicializado para tu sintetizador, que luego podrías cargarlo y empezar desde allí.

Ese es uno de los encantos de los sintetizadores 100% analógicos como los sintetizadores modulares, o el MiniMoog Old School, lo que ves en el panel es lo que hay, así que es muy fácil pasar de un sonido a otro.

Acme Bar Gig: Un plug in profesional y gratuito cada semana

Dig 2.0 de Acme Bar Gig ha hecho revuelo por su
calidad y precio... es gratis!

Acme Bar Gig es un desarrollador de plug ins gratuitos, con una misión bastante peculiar: Lanzar un plug in gratis, de calidad profesional . . . SEMANALMENTE!

Hasta ahora no se han quedado cortos, y han lanzado un par de plug ins que ya causan revuelo en los foros y blogs de internet por su calidad. Cuenta con los siguientes plug ins, todos ellos gratuitos:

- DIG, emulador de amplis de guitarra
- BIG, emulador de amplis de bajo
- RedShift, plug in para cambiar el sonido de las pastillas de tu guitarra
- AfterShock, delay super flexible, y con capacidades estéreo muy especiales.
- Tribe, emulador de amplis de sonido limpio. Usa convolución.
- TranceGate, excelente procesador basado en tempo (delay, tremolo y filtro).

DIG es el plug in que mas se ha destacado, no solo por su calidad, sino por su flexibilidad y la cantidad de parámetros ajustables. Todo mundo habla que es increíble que sea gratis, y algunos los prefieren sobre opciones comerciales. BIG es el mismo ampli pero "ajustado" para sonidos de bajo.

Estos plug in son de alta calidad, no se cuanto tiempo Acme Bar Gig pueda mantener el ritmo de un plug in nuevo cada semana, pero vale la pena bajarse los que vayan apareciendo y probarlos, seguro aparecerá otra joya como DIG.